Iconographos

Primavera, de Giuseppe Arcimboldo

2009-05-22T00:30:00.002+01:00

Sem perder as referências do Classicismo, o Maneirismo reflectia as inquietações próprias de qualquer transição.
À beleza clássica, sem alma, sucedeu a espiritualidade, povoada pelo fantástico e pelo onírico, cheios de movimento. A proporção geométrica das representações clássicas foi-se esbatendo e as obras ganhavam espacialidade, proporcionando abordagens mais subjectivas.
Os retratos de Giuseppe Arcimboldo eram divertidas e surpreendentes composições de frutas e vegetais.

Giuseppe Arcimboldo - Primavera, 1573 (Museu do Louvre)

Hieronymus Bosch, revisto e aumentado

2009-04-27T22:30:00.001+01:00

Esta imagem representa apenas um frame do tríptico Jardim das Delícias de Hieronymus Bosch, a mais recente das obras primas do Museu do Prado em Giga pixeis a ter sido carregada para o Google Maps.
Este pequeno detalhe está no canto inferior direito do painel central.

Os Frescos de Giotto

2009-02-27T13:00:00.004Z

Na Reitoria da Universidade do Porto, até 7 de Maio, podemos ver um conjunto de fotografias de alta resolução, réplicas dos frescos de Giotto na Capela de Scrovegni, em Pádua, mandada construir por Enrico degli Scrovegni em 1303 e consagrada à Virgem da Anunciação em 1305.

As ilustrações de Giotto, de grande realismo e expressividade, retratam cenas da vida de Cristo.

Giotto - Fresco 28 - A Traição de Judas - 1304-06

Giotto - Fresco 30 - Lavagem dos Pés - 1304-06

Giotto - Fresco 31 - Prisão de Cristo e Beijo de Judas - 1304-06

Amor Sagrado e Profano

2009-02-17T16:00:00.003Z

Amor Sagrado e Profano, obra-prima de Ticiano (1490-1576), foi pintada quando tinha aproximadamente 25 anos, para celebrar o casamento do veneziano Nicolò Aurélio (vide brasão no sarcófago) com a jovem viúva Laura Bagarotto, em 1514.

A noiva vestida de branco, sentada ao lado de Cupido, é ajudada pessoalmente por Vénus. A figura com o vaso de jóias simboliza a “fugaz felicidade na terra” e a que segura a chama ardente do amor de Deus simboliza a “felicidade eterna no céu”.

O título resulta de uma interpretação de meados do século XVIII e que dá desta obra uma leitura moralista da figura nua, considerando que o artista pretendeu assim exaltar o amor terrestre e o amor divino. Na realidade, a filosofia Neoplatónica do amor sagrado e profano em que Ticiano e o seu círculo acreditavam, contemplando a beleza da criação, conduziu a uma consciência da perfeição divina da ordem do universo. É por estas e por outras que temos divas.

Nesta pintura de amor campestre, Ticiano exaltou a delicada poesia lírica de Giovanni Bellini ou Giorgione e atribuiu-lhes uma grandeza clássica. O Amor Sagrado e Profano de Ticiano é um ícone da Galleria Borghese.

S. Jerónimo viajou para a Holanda e o Titus sentado à secretária chega a Portugal

2008-12-12T15:30:00.001Z

Quatro anos depois de ter estado exposta em Viena, mais propriamente na Galeria Albertina, a obra S. Jerónimo, do pintor alemão Albrecht Dürer (Nuremberga, 1471-1528), voltou a ser retirada do primeiro piso do Museu Nacional de Arte Antiga (MNAA), em Lisboa. Desta vez, o destino da pintura, um óleo sobre madeira de carvalho datado de 1521, foi o Museu Boijmans van Beuningen, em Roterdão, que solicitou ao MNAA o quadro de Dürer para o integrar na exposição Imagens de Erasmus.

Em contrapartida, o museu nacional propôs uma permuta e pediu “uma boa peça da colecção” pertencente à instituição holandesa, contou ao PÚBLICO o director do MNAA, Paulo Henriques. A resposta agradou sobremaneira à direcção do museu lisboeta: o Boijmans van Beuningen expedia para Lisboa o Titus sentado à secretária (1655), de Rembrandt (1606-1669), uma das obras-primas do pintor, nunca exposta em Portugal. Atendendo à elevada importância de S. Jerónimo - é a única pintura de Dürer no país (a Fundação Gulbenkian possui alguns desenhos), está classificada como tesouro nacional e o MNAA aponta-a como uma das “dez obras de referência” do museu -, Paulo Henriques pediu ainda desenhos e gravuras de Rembrandt, o que permitiu organizar a exposição que se inaugura no dia 16, numa das salas do MNAA. O quadro Titus sentado à secretária (retrato a óleo do filho do pintor) estará acompanhado por mais oito obras: desenhos de Saskia (mulher de Rembrandt), de Titus e da mãe do pintor; e ainda duas gravuras (uma anunciação do nascimento de Jesus e uma adoração dos pastores). Esta exposição com trabalhos de Rembrandt, inédita na história do MNAA, ficará até 8 de Fevereiro, data em que encerra também Imagens de Erasmus, em Roterdão. Refira-se ainda que somente a Fundação Gulbenkian possui, na sua colecção, duas obras do pintor holandês. O Museu de Arte Antiga tem, segundo o seu director, uma gravura e desenhos cuja atribuição a Rembrandt não está confirmada.

Dürer pintou S. Jerónimo em Antuérpia, em Março de 1521. Escreveu então no seu diário: "Pintei cuidadosamente S. Jerónimo e ofereci-o a Rui de Portugal." O painel - único quadro religioso que pintou - foi exibido na capela privada do diplomata de Antuérpia e mais tarde trazido para Portugal.

A figura do santo é baseado num desenho de um velho homem barbudo. No desenho, inscreveu Dürer: "O homem tinha 93 anos e era ainda saudável e forte." O crânio na pintura que Dürer também tinha esboçado separadamente (Graphische Sammlung Albertina, Viena), provavelmente era provavelmente o "pequeno crânio" que tinha adquirido anteriormente em Colónia.

Nesta obra, S. Jerónimo exibe as características enrugadas do velho de 93 anos e repousa a mão direita na cabeça em pose comtemplativa. Com o dedo da mão esquerda, toca suavemente o crâneo, símbolo da perenidade da vida. O crânio é simbolicamente colocado entre a Bíblia aberta e o tinteiro, numa alusão ao tradutor do Livro Sagrado. O velho S. Jerónimo olha angustiadamente para fora do quadro.

Filho de Rembrandt e Saskia Uylenburgh, Titus nasceu em 1641. Após a morte prematura de sua mãe, Titus foi entregue aos cuidados de Geertge Dircx e mais tarde de Hendrickje Stoffels que, após a falência de Rembrandt, criou com Titus um negócio de arte de modo a liquidar as dívidas do pai, de quem recebeu formação artística. Morreu em 1668, um ano antes da morte de Rembrandt.

A figura de Titus aparece em várias pinturas de Rembrandt: quer como monge, quer vestindo um traje elegante com boina ecorrente de ouro.

Nesta obra, é visto como aluno sentado à escrivaninha, divagando sobre o seu trabalho. Com a mão direita, segura a caneta de pena com que escreve e, com a esquerda, o porta-canetas e o tinteiro. Os braços e os documentos são fruto de pinceladas únicas e na escrivaninha vemos as marcas da espátula de Rembrandt.

A saída temporária do S. Jerónimo foi sujeita à autorização prévia do Ministério da Cultura, tal como a lei estabelece na expedição de bens nacionais. Mas o seu estatuto de "peça central" do MNAA exigiu "muita ponderação", notou Henriques. "A ponderação do empréstimo foi muito bem feita e teve em conta a altíssima qualidade da exposição do Boijmans van Beuningen", disse, apontando ainda que o óleo se encontra em "excelentes condições". "Não tem quaisquer problemas de conservação", assegurou. A estas circunstâncias favoráveis acresceu o "grande empenho" da embaixada dos Países Baixos em Lisboa, que permitiu que a permuta fosse concretizada "sem encargos financeiros" para o MNAA.
O empréstimo do quadro (foi oferecido por Dürer, ainda em 1521, ao diplomata português em Antuérpia Rui Fernandes de Almada, tendo sido comprado pelo Estado em 1880) não é inédito. Mas a sua saída temporária já foi proibida, há três anos. Em 2004 esteve patente numa mostra dedicada a Dürer em Viena, na Galeria Albertina, juntamente com os quatro desenhos preparatórios de S. Jerónimo. Contudo, um ano depois, quando o Museu do Prado, em Madrid, organizou uma exposição dedicada ao artista, inédita na Península Ibérica (57 desenhos e 29 gravuras) e solicitou ao MNAA o quadro, o Estado recusou o empréstimo. "Não passou por mim", disse Henriques, referindo que, na altura, era Dalila Rodrigues quem dirigia o museu.

fonte: Público

Cenas de divertimento e sedução

2008-10-27T08:00:00.000Z

Visita ao Museu nacional de Arte Antiga, em 10 Obras de Referência - 29 de Outubro de 2008 Visita orientada por Ana castro Henriques e Anísio Franco

Cenas de divertimento e sedução num interior luxuoso, associando pictoralmente um subtil e refinado tratamento da luz com um espaço rigorosamente construído em perspectiva, esta obra de Pieter de Hooch (1629-1684) é uma das mais representativas e magistrais deste contemporâneo de Johannes Vermeer. É também um interessante jogo de ambiguidades interno à própria imagem, o significado da composição extravasando a mera representação de uma cena galante do quotidiano de Amesterdão pelos meados do século XVII. A habitual designação da pintura - Conversação - não passa talvez de um pobre eufemismo moderno.

Obras do mesmo período -

consciência do tempo, ou tempo da consciência

2008-09-11T17:30:00.007+01:00

A arte de Kim Prisu, beirão a quem Torga certamente não chamaria “estrangeiro”, está na origem da nova figuração surgida nos idos de oitenta do século passado, em contraponto à tendência conceptual e minimalista que vinha da década de 60; Durante o período que passou em Paris, KIM PRISU desenvolveu a arte “Videomatik”, um universo de forte ressonância, enriquecido por uma multidão de Culturas urbanas e a doce violência da natureza do campo luminoso, o que conferiu à sua obra um forte contraste entre as cores duma sociedade de consumo (Eléctricas e saturadas) e as da Terra nutridora.

Temporizei quantias de vezes - Kim Prisu, 2007

A sua obra está submetida a uma permanente transformação, existindo uma relação entre as tensões exteriores e interiores, a representação expressiva dos estados humanos, uma expressão de Médium, numa crítica das suas possibilidades artísticas e sociais. Poesia do efémero, ligação entre os elementos textuais que escapam a qualquer lógica evidente, poética fragmentária; conduzindo-se aos saltos, sendo por vezes contraditória da realidade.

Em 1989 KIM PRISU criou o espírito Nuklé-Art e em parceria com A. L. Tony, construiu uma Aldeia Cultural em Aldeia da Dona. Hoje podem-se ver várias esculturas e mobiliário de sinalética ligadas à memória cultural do sítio onde estão erguidas.

Os Adoradores

2008-08-18T09:00:00.001+01:00

Giambattista Tiepolo (1696, Veneza - 1770, Madrid) colaborou com o pintor veneziano Girolamo Mengozzi Colonna no fresco da nave da igreja de Stª. Maria de Nazaré no período 1743-45, segundo uma cuidadosa preparação de estudos e modelos.

O fresco grandioso que descreve o transporte da casa santa de Loreto, quase foi destruído durante Primeira Guerra Mundial. Os poucos fragmentos restantes, como este Adoradores, são suficiente para evocar a riqueza da côr e concepção desta importante realização decorativa.

Os tons branco e prata do santuário são iluminados pelas cores deslumbrantes das peças de vestuário do nobre que observa a aparição religiosa, enquanto o servo olha curiosamente para a nave, abarrotada pela multidão.

Goyantánamo

2008-06-24T11:30:00.000+01:00

Esta cena de prisão está relacionada, no modo e no carácter, com várias pinturas de cenas de guerra e outros temas inspirados pelas invasões napoleónicas. Prisioneiros de guerra - e não só - estáo entre as vítimas de injustiça e crueldade, retratadas em muitos dos desenhos e gravuras de Goya. Um homem aguilhotinado é o tema desta gravura, das mais antigas de Goya; Outras formas de castigo e tortura serão representadas em trabalhos posteriores.

A obra, executada com um mínimo de cor, é notável pela atmosfera de escuridão e o efeito de sofrimento anónimo, criado pelos contornos de luz das figuras indistintas, na enorme caverna comum.

Francisco Goya - Cena de Prisão, 1793-94?

As cores da noite, de Van Gogh

2008-06-17T00:30:00.000+01:00

Ao longo da sua vida, Vincent Van Gogh (1853–1890) experimentou a paradoxal tarefa de representar a noite através da luz. Para isso, seguiu a tendência dos Impressionistas de “traduzir” os efeitos visuais da luz através de múltiplas combinações de cor. Simultaneamente, esta preocupação de Van Gogh traduziu-se no desejo em mesclar o visual e o metafórico, no sentido de produzir obras de arte frescas e profundamente originais. Estas diferentes preocupações artísticas encontram-se nas suas pinturas sobre crepúsculos e paisagens nocturnas.

A obra Starry Night - 1889, pertencente ao MOMA, será integrada na Exposição Van Gogh and the Colors of the Night que terá lugar no Van Gogh Museum no início do próximo ano e que pretende apresentar uma nova perspectiva das representações de Van Gogh e dos efeitos de luz nesses ambientes nocturnos.

Beleza Interior

2008-06-09T01:00:00.001+01:00

Na Antiguidade Clássica, entendia-se por belo o que agradava, o que era atractivo ao olhar, ou o que era belo espiritualmente, não coincidente com a beleza do corpo?
Para Platão, a única realidade era a do mundo das ideias, de que o nosso mundo material é uma sombra e imitação; O feio era assim o não-ser, uma imperfeição do mundo ideal.

Aristóteles, na Poética, dizia sobre a origem da Poesia, que o imitar é congénito no homem, pois os primeiros ensinamentos lhe são proporcionados pela imitação, tão mais agradável quanto mais perfeita.

Diego Velazquez - Esopo, 1639-1642

A tradição satírica, difundida na Europa pelos humanistas, é bem patente na obra Esopo, de Diego Velazquez

Este Esopo, de nariz achatado, não era provavelmente o homem simples, de traços marcados pelo trabalho , que representava o ideal cínico da modéstia e da sabedoria das pessoas vulgares da sua época; Velázquez deu a Esopo as características típicas do homem cabeça-de-boi, das Fábulas. Os olhos assumem igualmente relevo, pelo tom de desprezo e de ironia, característicos nos anões e nos tolos de Velázquez.

Van Gogh em Paris

2008-02-17T04:00:00.002Z

O novo mundo que Van Gogh foi encontrar em Paris permitiu-lhe tomar contacto com artistas como François Millet e Delacroix; Conheceu Toulouse-Lautrec, que tinha um particular gosto em retratar a vida dos Cafés parisienses.

Van Gogh - Agostina Segatori Sitting in the Café du Tambourin, 1887

Agostina Segatori era a propietária do Café du Tamburin no Boulevard de Clichy, onde Van Gogh terá exposto pela primeira vez os seus trabalhos, em Paris.
Apesar de com ela ter tido um affaire, terá pago em quadros de motivos florais as refeições que fazia no Café.
Se podia pagar em espécie... não entendo os artistas! Mas adoro este tipo.

Henri de Toulouse-Lautrec - Poudre de Riz, 1887

Terá sido nesta obra de Lautrec - still Agostina - que Van Gogh se terá inspirado para o retrato ali de cima, o qual prefiro.

Júpiter e Antíope, de Antoine Watteau

2008-02-10T03:30:00.000Z

Resumidamente, que falar de Ovídio é como as cerejas:
Antíope era desejada por Júpiter que, sob a forma de sátiro, se aproximou dela e a violentou. A pobre ninfa foi perseguida, imagine-se, pelos próprios filhos, os gémeos bastardos. Antíope encontrou um senhor que lhe queria bem e viveram felizes para sempre. Os pormenores desta tragédia grega, aqui.

Antoine Watteau (1684-1721), de origem parisiense, juntou-se ainda jovem aos artistas flamengos que deram origem aos discos de nu jazz que cá em casa se ouvem regularmente, Saint-Germain-des-Prés. Influenciado pela obra de Rubens, distinguiu-se através das suas criações sobre festas galantes e cenas da comédia italiana.

Cabeça de Mulher, de Picasso

2008-02-06T00:30:00.000Z

'Tête de femme' ('La Lectrice-Dora Maar') pertence a uma série de pinturas nas quais Picasso (1881-1973) representou a pintora, fotógrafa e poeta francesa, que foi sua amante e companheira artística nos finais do anos 30 e princípios de 40.
Tendo-a conhecido em 1936, rapidamente se deixou seduzir pela sua beleza e inteligência, com quem partilhava as suas preocupações intelectuais e políticas.

A imagem, intensa e penetrante, transmite a beleza de Dora Maar e a sua personalidade alegre.
Pintados durante os anos da Guerra Civil espanhola (1936-39) e da Segunda Guerra Mundial (1939-45), os retratos de Dora Maar reflectem não só o estado emocional de Picasso durante esse período, mas também a instabilidade da época.

Prenda Nossa?

2008-01-17T00:00:00.000Z

Foi encontrado na Grécia um pequeno caderno de capa castanha, com 60 páginas preenchidas com esboços de retratos, que se acredita ser do pintor holandês Vincent van Gogh. Especialistas do Museu Van Gogh, em Amesterdão, estão a analisar os desenhos para garantir a sua autenticidade. A descoberta foi anunciada hoje pela proprietária do caderno.

O caderno terá caído nas mãos de um soldado grego da resistência, que combateu na Segunda Guerra Mundial, num comboio Nazi e depois guardado em caixotes, agora encontrados pela filha desse soldado, a escritora grega Doreta Peppa.

"Segundo os seus escritos, o meu pai apanhou o caderno durante um ataque a um comboio Nazi que se retirava da Grécia, no final da ocupação alemã", explicou.

Um perito em arte contratado por Peppa concluiu que os esboços pertencem mesmo ao pintor do século XIX. Outros especialistas estrangeiros deverão analisar o caderno para decidir sobre a sua autenticidade, disse Peppa. "Estou aberta a que outros cientistas avaliem o caderno". Se for verdadeiro terá um valor estimado em quatro milhões de euros. Mas para já, Peppa não pretende vender o caderno de esboços.

"O caderno... é uma grande prenda para o mundo das artes", comentou o artista grego e perito em arte Athanasio Celia, a quem Peppa pediu para analisar os esboços.

"Além disso, é um testemunho exclusivo em como o desenho era, como ele acreditava, a estrutura base da pintura", acrescentou Célia.

O caderno tem o carimbo da Brussels Royal Academy of Art, para onde Gogh se mudou em 1880, bem como um carimbo Nazi.

fonte: Reuters

Un Certain Regard Impressioniste

2008-01-14T14:30:00.000Z

Madame Berthe Morisot (1841-1895) nasceu neste dia 14 de Janeiro.
Neta de Jean-Honoré Fragonard, integrou o Movimento Impressionista de Paris na década de setenta, tendo desenvolvido com Jean-Baptiste-Camille Corot a técnica plein air, que tanto agradava a Manet, seu cunhado.

La hotte, 1885

Entre as mulheres , talvez Berthe Morisot tenha sido a mais importante impressionista. Pintora de paisagens, normalmente integra nas suas obras a figura feminina como referência.

Dans le jardin à Maurecourt, 1883-84

De notar que, quando em 1874 fez a sua primeira exposição no Salão de Paris, era ainda uma miragem a admissão de qualquer mulher na Real Academia de Belas Artes, o que só aaconteceria em 1897, já depois do seu desaparecimento.

Cache-cache, 1874

El desnudo de Velázquez

2008-01-13T02:00:00.000Z

Até 24 de Fevereiro no Museu do Prado, a Exposição Fábulas de Velázquez: Mitología e Historia Sagrada en el Siglo de Oro é uma oportunidade rara para descobrir a narrativa histórica em Velázquez. De um total de 52 obras expostas, de Ticiano a Rubens, o pintor sevilhano contribui com 28.

Em destaque no núcleo El desnudo - La narración, esta Vénus ao Espelho (1644-48), que pertence à National Gallery de Londres, e que pode ser vista ao lado de El dios Marte e Mercurio y Argos.

Desde finales de los años treinta, Velázquez produjo varias obras mitológicas, que se cuentan entre las más importantes y originales de su tiempo, y que le sirvieron para entablar un fructífero diálogo con la tradición pictórica. Fueron cuadros en los que culminó su tendencia a subrayar los valores asociados al color frente a los del dibujo, y a convertirlo en el principal instrumento expresivo. En eso, continuó la tradición a la que pertenecían Tiziano y Rubens, cuyas obras abundaban en las Colecciones Reales españolas y se convertirían en dos de los principales puntos de referencia para el desarrollo de su estilo.

La mitología propició un acercamiento al desnudo, un tema cargado de connotaciones. Es la forma que la tradición occidental ha vinculado más estrechamente a la idea de arte, la que expresaba mejor los valores del color, y al mismo tiempo, el lugar donde confluían los límites del arte y la decencia. A través de La Venus del espejo, Velázquez supo hallar una alternativa a los desnudos de Tiziano o Rubens, y al mismo tiempo demostró el lugar tan singular que ocupaba en relación con sus colegas españoles, pues su posición en la corte le permitió sustraerse a las restricciones morales en materia de desnudo femenino que atenazaban a estos. En Marte utilizó una gama cálida y suntuosa, modeló las formas a base de luz y color y destruyó los límites entre el cuerpo y su entorno, buscando transmitir una sensación de vida y transitoriedad, lo mismo que hizo con Mercurio y Argos. Al mismo tiempo, conservó su gusto por la paradoja narrativa, y en vez de utilizar rasgos heroicos para representar al dios de la guerra, lo pintó cansado y melancólico.

O Nú na História da Arte - Lorenzo Lotto

2008-01-12T01:30:00.000Z

Lorenzo Lotto - Susanna and the Elders, 1517

Esta obra de Lorenzo Lotto (1480-1556) é muito curiosa, porque dividida em dois planos que se complementam com grande equilíbrio.
No plano inferior, a mulher semi-nua, que parece ter saído de uma espécie de balneário, é observada por vários homens num cenário quase teatral, com algum dramatismo.
O plano superior evidencia uma realidade paisagística que, de tão distinta, confere uma grande harmonia ao conjunto.

o último legado?!

2008-01-02T11:30:00.000Z

Wheat Field Under Threatening Skies é uma das mais poderosas e também uma das mais discutidas obras de Van Gogh!
Vista como um prenúncio de suicídio por alguns, mais positivista por outros.

Sobre esta tela, disse:
"São vastos campos de trigo debaixo de céus agitados, e eu não necessitei abandonar o meu estilo para tentar expressar a tristeza e solidão extremas.."

Vincent Van Gogh - Wheat Field Under Threatening Skies, 1890

Eros - Thanatos

2007-12-19T01:00:00.000Z

Sempre que mato alguém, fico um bocado chateado...

Disse, há uns vinte anos, um condenado por inúmeros crimes violentos, entrevistado na Penitenciária.

Nos anos vinte, o crime passional fez escola na arte franco-alemã. Esta obra de René Magritte (1898-1967) é um dos expoentes desse período.

L`assassin menacé, 1927

A sala. Numa chaise-longue, o corpo de uma mulher degolada, enquanto o cavalheiro, distinto, ouve música, para descontrair e os gendarmes cercam o espaço.
Em suspenso, característico no surrealismo.

Picássa-mos

2007-12-03T19:00:00.000Z

Picasso - Danseuse et vieillard musicien IV, 1954

impressionnons - nus

2007-11-28T23:30:00.000Z

Na passagem do centésimo trigésimo sétimo aniversário da morte de Monsieur Frederic Bazille, ano em que terminou
La Toilette (1869-70).

Estudos Anatómicos de Leonardo da Vinci

2007-11-20T14:30:00.000Z

No último sábado fui ao Palácio de Cristal ver a Genial Exposição de um dos melhores homens que a História conheceu.

Os modelos das suas invenções em exposição merecem ser vistos atentamente, pois dão-nos uma ideia do génio de Leonardo. Dá vontade de mexer em tudo, por as engenhocas a funcionar!

Composto unicamente de reproduções de fraca qualidade e sem uma descrição para além da identificação da obras expostas, o núcleo de pintura é pobrezinho.

Alguns dos desenhos que aqui são publicados, já os tinha visto durante a Expo 98, mas a confusão era tal que não tive paciência para uma visita mais demorada.

Estudo anatómico de um ombro masculino, 1509-10

Estudo anatómico da laringe e perna, 1510

Estudo anatómico do ombro, 1510-11

Joie de vivre, de Pierre Bonnard

2007-09-05T20:30:00.000+01:00

O trabalho de Pierre Bonnard (1867-1947) reflete um leque variado de influências, desde os seus contemporâneos Gaugin e Cézanne, passando pela Arte Nova até à Arte Japonesa.

Globalmente, os seus quadros possuem uma serenidade calma, contrastante com a exuberância dos seus mosaicos e a sumptuosidade alegre das suas tapeçarias.

A sua percepção da sensualidade sobrepõe-se assim aos juizos valorativos sobre os temas.

Pierre Bonnard - Nu Feminino na Banheira, c.1938

Uma jovem está deitada nua numa banheira cheia de água.

Neste Nu Feminino, Bonnard cria um caleidoscópio de zonas luminescentes e cintilantes, numa explosão de cores lilás, laranja, rosa, vermelho, azul e dourado.

O reflexo da luz na água, na pele da jovem e na parede, fazem com que o corpo se funda com as cores dominantes.

Pierre Bonnard - a sair do banho

con amore, senza impegno...

2007-08-23T19:30:00.000+01:00

do meu querido amigo Nadir Bonaccorso.

Castiçal I

aço escovado e vidro fosco
25 cm x 5 cm x 5 cm

individual

aço escovado e madeira

Castiçal II

aço escovado e vidro fosco
40 cm x 10 cm x 10 cm

O Tempo dos Sonhos

2007-08-13T19:00:00.000+01:00

“Com Mário Rita as diferentes qualidades/características espaciais tornam-se evidentes através das subtis manipulações dos corpos e linhas geométricas: as casas prolongam-se indefinidamente até aos limites da tela, os corpos (como em Alice) chegam aos confins, para lá do olho.
O corpo surge não só como modo de ocupação dos espaços pictóricos que Mário Rita desenha, mas como prolongamentos naturais de todas as formas geométricas: lembrem-se as passagens na Alice de Lewis Carrol em que o corpo de transforma em casa e a casa no corpo.
Não é o caso em que a minha casa é o meu corpo, mas o paradigma é o de a minha casa ter de ser feita à medida do meu corpo, para o meu corpo habitar: um princípio fisionómico em que o homem é a medida padrão de todas as grandezas.
Em última instância, trata-se da descoberta da coincidência do corpo humano com a génese da ocupação/utilização que as formas fazem no espaço, isto é, com a própria arquitectura”.

Alice significa, em termos filosóficos, que a percepção que se tem das coisas está sempre a sofrer alterações: atribuem-se significados e qualidades às coisas não com base num critério objectivo, físico, verificável, mas porque o nosso aparelho sensitivo vai estabelecendo com essas coisas diferentes relações.
Sendo esta a base das qualidades do mundo, tudo passa a inscrever-se num horizonte de instabilidade.

Textos de Nuno Crespo

A Exposição de Mário Rita pode ser visitada no Museu da Cidade até 2 de Setembro

desperdício de almas

2007-07-24T12:00:00.000+01:00

O Príncipe de Montparnasse morreu novo, cedo para ser reconhecido como um dos grandes talentos da pintura no início do século XX. Apesar da vida de boémio (como se fosse possível viver de outra forma, no antro de deboche que era Montparnasse naquele tempo!) deve ter encontrado na pintura a felicidade que a vida lhe recusou. Acontece a muito boa gente.

Amadeo Modigliani (1884-1920) inspirou-se nos Mestres Botticelli, Correggio e Giorgione para criar o seu próprio estilo, "a muda aceitação da vida" - os rostos ovais, os pescoços alongados - quase caricaturais-, impregnados de uma sensualidade raramente obtida pela nudez.

Quando em 1906 se mudou para Paris, integrou-se no movimento avant-garde, onde se cruzavam artistas como Picasso, Brancusi, Mondrian e Braque.

Muitas das mulheres retratadas por Modi eram suas amantes, ou paixões, como a poetisa russa Anna Akhmatova, a escritora britânica Beatrice Hastings, por quem Modigliani teve uma atracção platónica e a estudante de arte Jeanne Hébuterne (retratada nestas duas imagens), que se suicidou no dia seguinte à morte de Modigliani.

still life`s inspiration

2007-07-15T17:00:00.000+01:00

Paul Gaugin's Still Life with Three Puppies, 1888

Vincent-van-Gogh's "Sunflowers", 1888

Museu Berardo, no CCB

2007-06-26T19:00:00.000+01:00

O Brilho das Imagens

2007-05-18T11:45:00.000+01:00

Os retábulos de altar e as imagens devocionais (pinturas, esculturas e relevos) que esta exposição apresenta foram seleccionados da colecção de arte medieval do Museu Nacional de Varsóvia.

A selecção de peças é bem demonstrativa da evolução das principais expressões criativas e das declinações formais da arte gótica num vasto espaço territorial centro-europeu, surpreendendo não só pela escala e magnificência visual de muitas das imagens, como também pela complexidade dos seus referentes plásticos face a modelos e centros polarizadores (Itália e Flandres) da arte ocidental europeia durante a Baixa Idade Média.

Ora evidenciando um franco acolhimento de influências externas, ora privilegiando linguagens de cariz mais local e vernacular, as obras expostas propõem uma franca percepção das relações entre centros e periferias artísticas num largo período histórico (séculos XII-XVI), estimulando também nesse contexto um diálogo fundamental com a diversidade do próprio acervo do MNAA em pintura e escultura.

A cronologia, a iconografia, o uso ou a função das imagens, ainda que referenciais, não estruturam matricialmente a narrativa da exposição. A optimização das condições de visibilidade de duas disciplinas artísticas distintas, da pintura e da escultura, foi também considerada na organização de dois percursos que pontualmente se entrecruzam.

Se tivermos em conta que num âmbito nacional e internacional a cedência temporária de pinturas e esculturas de idêntica cronologia e de idêntica fragilidade material deixou de ser uma prática recorrente para se transformar num facto singular, a possibilidade de ver um tão relevante conjunto de obras medievais temporariamente retiradas, pela primeira vez, da exposição permanente do principal museu da Polónia, constitui por si só um acontecimento.

Até 17 de Junho no Museu Nacional de Arte Antiga

Via @ctualidade digital

à la fin, tes démons seront tes meilleurs amis

2007-05-08T14:00:00.000+01:00

Henri de Toulouse-Lautrec - Seule, 1896

Frapper la femme monstre de sagesse
Captiver l'homme à force de patience
Doucer la femme pour éteindre l'homme
Tout contrefaire afin de tout réduire
Autant rêver d'être seul et aveugle.

A partir de um post publicado originalmente no Luminescências

Don`t try to fix me, I`m not broken

2007-02-24T18:30:00.001Z

Francisco de Goya y Lucientes - Saturno devora a su hijo, 1821-1823

"Leituras" ao Domingo

2007-02-04T20:00:00.000Z

Vincent Van Gogh - Branches with Almond Blossom, Fevereiro de 1890

A Exposição Vincent van Gogh and Expressionism pretende mostrar a profunda influência - tratamento da luz, brilho e côr - que o pintor holandês teve no movimento Expressionista, nomeadamente no trabalho de artistas alemães e austríacos, como Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Alexej von Jawlensky, Gustav Klimt, Egon Schiele e Oskar Kokoschka, criadores também representados.

O Catálogo da Exposição - da autoria do Curador Jill Lloyd, com capa de Max Pechstein - custa €24,50 na loja online do Museu (não inclui portes), 10 euros mais barato que na Fnac!

Ilustração da capa:
Young woman with red fan, 1910

Leitura de hoje: Vincent van Gogh and Expressionism, numa aula de 45 minutos dada pelo curador convidado Jill Lloyd, no Van Gogh Museum em Amsterdão.

Between 1890 and 1914 Vincent van Gogh emerged from almost total obscurity to be hailed as one of the founders of modern art. He was especially admired in Germany, where museums and collectors soon began acquiring his works. This lecture focuses on Van Gogh’s paintings in German and Austrian collections and the impact these had on artists such as Ernst Ludwig Kirchner and Oskar Kokoschka.

Coisas complicadas

2007-01-30T19:30:00.000Z

Georges de La Tour(1593-1652)-Woman Catching Fleas, 1630

A Virgem grávida, isolada por José depois de saber que ela carrega um feto dentro de si.
Nesta representação, a Virgem parece querer desfazer-se da criança, ao tentar espetar uma agulha na barriga.
Se naquele tempo houvesse testes de ADN, não sei se a história terminava assim.

Condição humana, de Oskar Kokoschka

2007-01-21T20:30:00.000Z

Este checo de nome engraçado esteve presente na Exposição de Amadeo de Souza-Cardoso - Diálogo de Vanguardas com um conjunto de litografias do período 1906-1908.

Oskar Kokoschka (1886-1980) - Lotte Franzos, 1909

“El arte de la representación humana propio de Kokoschca cobra una posición excepcional y destacada dentro de la pintura europea del siglo XX. Retratos como el del distinguido matrimonio compuesto por Victoire y Joseph de Montesquiou-Fezensac o el del aristócrata italiano Conte Verona, enfermo de tisis, que pintó en el sanatorio de tuberculosos Mont Blanc en Leysin a comienzos de 1910, durante su primer viaje a Suiza en compañía de Adolf Loos, evidencian de manera estremecedora la forma despiadada en que Kokoschka, bajo la influencia de la pintura de Edvard Munch y Vincent van Gogh, espolea más allá de la máscara del decoro su indagación de la conditio humana, alentada por la empatía y la piedad. La compostura aparente, mantenida únicamente con esfuerzo o incluso perdida por completo, no llega a distraer nuestra atención del desvalimiento, desamparo y soledad que nos salen al encuentro desde estos rostros.

Y sin embargo, qué diferente el aura cautivadora que irradia el retrato de Bessie Bruce, entonces compañera de Adolf Loos, cuya enfermedad pulmonar motivó el viaje al lago Lemán que emprendieron con ella Loos y Kokoschka. (…) Los retratos de Adolf Loos y Herwarth Walden, que se llevó a Kokoschka a Berlín en 1910 para que colaborara desde el primer momento en la redacción de la revista Der Sturm, fundada por él como portavoz de la vanguardia artística europea, son iconos de la amistad, desde los que habla un profundo agradecimiento. Este profundo agradecimiento late también tras la delicada ternura con que ha captado y reproducido los rasgos de Lotte Franzos.” (Johann Winkler)

Oskar Kokoschka - The-Red Egg

Hiper-Realismo, de Ron Mueck

2007-01-08T14:00:00.000Z

Pigmented polyester resin on fiberglass

For Untitled (Big Man), Mueck used an airbrush to apply the final smooth layer of paint, which convincingly resembles human flesh. In addition to being an exploration of anatomy and illusionism, Untitled (Big Man) is a study in color; blue eyes and veins contrast with the yellow undertones of hairless pink skin. Mueck's sculpture, unlike the classical nudes of Ancient Greece and the European Renaissance which celebrate human beauty and proportions, presents the viewer with a monumental yet unidealized version of the human body that emphasizes its physical presence, fleshiness, and weight.
Kristen Hileman, 2001

Para quem tiver possibilidade de ir ao Brooklyn Art Museum até 4 de Fevereiro, pode aproveitar para ver também a Exposição 700 Anos de Pintura Europeia.

a moderninade, na linguagem da côr

2007-01-06T18:00:00.000Z

Escolhemos o dia de anos da minha princesa para ver a Exposição Sonia Delaunay. Atelier simultané 1923-1934.
O mais divertido desta colecção de esboços para tecidos em gouache sobre papel, é imaginar as expressões de pessoas que há 70 ou 80 anos se deslocavam ao Atelier de Sonia Delaunay para escolher padrões de tecidos. Deve ter sido um gozo!
Parabéns, filhinha querida!

Sonia Delaunay utiliza a estética do simultaneísmo em objectos têxteis, padrões de tecidos que lhe estimularam a criatividade e permitiram-lhe a própria subsistência, sobretudo após o seu regresso definitivo a Paris, em 1921.
Em 1923 uma empresa têxtil de Lyon encomenda-lhe padrões de tecidos. Foi a profissionalização de uma vocação e as suas concentração nos guaches que, apesar da técnica e do pequeno formato, são experiências plásticas, pesquisas baseadas na sensibilidade e pensadas como pintura.

Em 1924 funda o Atelier Simultané, onde são impressos os tecidos simultâneos e produzidos os acessórios. Entre 1923 e 1934 (data em que os Delaunay decidem de deixar o nº 19 do boulevard Malesherbes onde funcionava o Atelier Simultané) Sonia Delaunay realiza inúmeros “desenhos de tecidos” como lhes chamou, numa pesquisa puramente pictórica de relações de cores com formas geométricas ritmadas.

Era um trabalho de que Sonia gostava e o guache sobre papel foi uma técnica que lhe serviu particularmente; mais leve, rápido e fluído do que o óleo sobre tela, permitiu-lhe multiplicar experiências.

Múltiplas variações executadas metodicamente num ritmo frenético, em cadernos e folhas soltas, com numerações da própria artista, séries de variantes, sucessões e imbricados de estruturas, formas e cores, contrastes, todas estas obras permitiram a Sonia Delaunay de relacionar os desenhos de tecidos com a modernidade e a arte abstracta.

Numa linguagem sensível e rítmica, Sonia Delaunay conseguiu uma divulgação espectacular e democratizada de pesquisas pictóricas, palpitantes de sensibilidade que lhe conferem um lugar privilegiado na criação contemporânea, guaches sobre papel durante muito tempo desvalorizados.

A sombra da dúvida

2007-01-05T13:00:00.000Z

Figure décorative sur fond ornemental

Henry Matisse, 1925-26

A Coexistência, possível pela insónia que te mantém acordada, num espaço a que não pertences, mas do qual te tornas cúmplice...

Tradición y Vanguardia

2006-12-27T22:00:00.000Z

El Greco - El Entierro del Conde de Orgaz, 1586-88 (detalhe)

Picasso recurre en numerosas ocasiones a El Greco, uno de sus pintores preferidos, en un regreso a sus raíces españolas. Lo hizo en la pintura, como en estos grabados, y lo hizo en una obra literaria titulada precisamente “El entierro del Conde de Orgaz”.
Picasso admiraba la obra de El Greco, especialmente el cuadro
'El entierro del Conde Orgaz', cuadro al que dedicó este libro, que compuso entre 1957 y 1959 cuando Picasso ya andaba metido en los 80 años

Pablo Picasso - El Entierro del Conde de Orgaz - II, 1966

Albert Gleizes - O Cubismo em Majestade

2006-12-18T22:00:00.000Z

Após um curto período impressionista, por volta de 1900, Albert Gleizes (1881-1953) dedica-se sobretudo ao desenho. O seu estilo, inicialmente simbolista, evolui para uma extraordinária síntese das formas que inaugura novos caminhos. No “Salon des Indépendants” de 1911, Gleizes participa juntamente com Jean Metzinger, Robert Delaunay e Fernand Léger no escândalo do Cubismo, revelado pela primeira vez ao público.

Femme aux phlox, 1910

Os quadros enviados por Gleizes para os "Salons de Paris" até à Guerra de 1914, tais como La Femme aux phlox, Les Joueurs de football manifestam, de forma brilhante, as ambições do pintor, no momento em que Guillaume Apollinaire vê na “majestade”, “o que antes de mais caracteriza a arte de Albert Gleizes”.
Durante a Primeira Guerra Mundial, Gleizes, que se encontra mobilizado na Lorena, aprofunda as suas experiências construtivas e volta-se para a abstracção. Em Nova Iorque, onde viria a refugiar-se, o seu estilo evolui para uma interpretação dinâmica e energicamente colorida do Cubismo. De regresso a França, em 1919, Gleizes torna-se no principal defensor de uma abstracção depurada, animada pelas “translações” e “rotações” de planos coloridos.

Les Joueurs de foot-ball, 1912-1913

La majesté, voila ce qui caractérise avant tout l'art d'Albert Gleizes. Il apporta ainsi dans l'art contemporain une émouvante nouveauté.
On ne la trouve avant lui, que chez peu de peintres modernes. Cette majesté éveille l'imagination, provoque l'imagination et considérée du point de vue plastique elle est l'immensité des choses.

Guillaume Apollinaire
Les Peintres cubistes, 1913

Portrait d'un médecin militaire, 1914–15

Nos anos 30 e 40, Gleizes dedica-se à execução de cenários monumentais. Particularmente influenciado pela pintura romana, empenha-se também em renovar a expressão do sagrado. No fim da vida, Gleizes confirma o seu gosto pela abstracção, ganhando o seu desenho uma grande liberdade formal.

Como a maioria de nós...

2006-12-08T15:00:00.000Z

A chávena com asa por dentro - António Areal e Cruzeiro Seixas, 1971

Quando em 1967 percorri algumas cerâmicas propondo a realização desta Chávena, a recepção era a mais hostil, como se lhes estivesse a propor a obscenidade das obscenidades.

Não quero deixar de lembrar que, tendo enviado ao Areal uma fotografia desta Chávena, ele sobre essa fotografia pintou, em 1971, um líquido tinto de sangue, de onde lutam para se evadir dois terríveis personagens.

Somos obrigados a reconhecer que as palavras não são suficientes para DIZER o homem. E a sua insuficiência tem-se tornado dramática; resta-nos a poesia, a revolta, a blasfémia, a liberdade interior!

Embora seja enormíssima a parte de humor expressa no Objecto Surrealista, será prudente que ninguém se deixe ficar apenas por aí. Essa é por certo uma das armadilhas que nos põe esta superior forma de comunicação. De facto o Objecto Surrealista está sempre pleno de humor negro, e foi dentro desse espírito que pus a circular a seguinte frase: Chávena com a asa por dentro, como a maioria de nós…

Cruzeiro Seixas

fruto permitido

2006-12-05T00:00:00.000Z

Em 1912, Guillaume Apollinaire apelidou de Orfismo o movimento criado pelos Delaunay, como ícone da transição do Cubismo para o Abstraccionismo.

Em 1964, Sonia Delaunay foi a primeira mulher a expôr a sua obra em vida no Museu do Louvre. Morreu a 5 de Dezembro de 1979.

Sonia Terk-Delaunay est née en 1885 en Ukraine. Epouse du peintre Robert Delaunay, elle a mené avec son mari des recherches picturales s'attachant à explorer la lumière, le mouvement des couleurs, leur "contraste simultané". Dans leurs œuvres, les formes géométriques, colorées et vives, s'agencent en compositions rythmiques annonçant l'abstraction dont ils ont été parmi les pionniers. Pour elle, ces recherches, essentiellement instinctives, s'expriment dans la peinture pure mais aussi dans le domaine des arts appliqués, la décoration, la mode, domaines qu'elle estime répondre à la même quête artistique. Elle crée des tissus et des vêtements simultanés, elle réalise des collages, des reliures, des illustrations de livres de poèmes.

poema Caractères - 1956 de Tristan Tzara,
com desenhos de Sonia Delaunay

yl y a une blanche servitude qui s`étend sur la fuite des temps

yl y a tout au long de son impulsion la dette de sang qui s`imprègne
yl y a un nuage un seul mais il pèse plus lourd que la terre sur l`inconscience des ans
yl y a dans l`aigreur des cris stridents de lait l`aiguille d`une voix qui monte tropicale
yl y a l`infatigable couture des arbres sur le parcours envenimé
yl y a une horreur indicible sur le front de ceux qui ricanent
yl y a pour le tremblement de montagne le cerf rebondi la tête hurlante l`oiseau à fusil
yl y a la feuillede mort dans l`iris de la pluie le regard de nervure et le foin pardonné
yl y a mille têtes en un chiffre et le remords à cloche-pieds
yl y a celui qui s`embrouille dans la poupre de ses propos de fil
yl y a la laine empoissonnant la cruche vide des crânes
yl y a ceux qui dans l`eau laissent tremper leurs subtiles savonneries de mémoire
yl y a l`étonnement stupide de tous ceux qui regardent qui ne font que regarder pendant le défilé de la vie des autres

Ses Peinture, Ses Objets - 1924

L'exposition est centrée sur la période de "l'Atelier simultané", de 1923 à 1934, qu'elle a fondé pour créer et éditer des tissus simultanés, produire des vêtements et accessoires… Sonia Delaunay se consacre alors essentiellement à l'art vestimentaire, avec un grand succès. Si la plupart des motifs sont géométriques, elle sait en égayer la régularité de l'agencement par la sensibilité poétique de leurs formes éclatantes, lumineuses et toutes vibrantes du "chant sensuel de la couleur".

Sonia Delaunay. Atelier simultané 1923-1934

Até 25 de Fevereiro de 2007 na Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva

preso pelo amor

2006-11-28T09:00:00.000Z

Embraceable you, 1988

Se é sem dúvida Amor esta explosão
de tantas sensações contraditórias;
a sórdida mistura das memórias,
tão longe da verdade e da invenção;

o espelho deformante; a profusão
de frases insensatas, incensórias;
a cúmplice partilha nas histórias
do que os outros dirão ou não dirão;

se é sem dúvida Amor a cobardia
de buscar nos lençóis a mais sombria
razão de encantamento e de desprezo;

não há dúvida, Amor, que te não fujo
e que, por ti, tão cego, surdo e sujo,
tenho vivido eternamente preso!

gravura de Ruth Rosengarten, poema de David Mourão-Ferreira

A Intervenção Surrealista

2006-11-26T20:00:00.000Z

Espero que os meus auditores compreendam que não sou um erudito nem um filósofo, mas, sim, um longo diálogo. Outro factor também antipelagroso é o centro sobre o qual se move o perpétuo turbilhão da poesia. Não devem esperar, tão-pouco, de mim, frutos colhidos num vasto campo de investigação científica. Por felicidade minha, o tema da Poesia ganha em valor, e em interesse, conforme a experiência dos indivíduos que seriamente crêem nas suas capacidades.

Mário Cesariny, 9-Agosto-1923 / 26-Novembro-2006

Frei Carlos e o Belo Portátil

2006-11-19T17:30:00.000Z

De origem flamenga e tendo professado em 1517 no antigo Convento do Espinheiro, junto a Évora, o monge-pintor Frei Carlos foi uma das mais proeminentes e lendárias figuras da pintura retabular em Portugal nas primeiras décadas do século XVI e alguns dos grandes painéis que a sua oficina pintou para os altares daquele convento jerónimo são das obras mais apreciadas na colecção do Museu Nacional de Arte Antiga.

Mas se é nestes grandes formatos que a pintura do Espinheiro revela desde logo especial originalidade, demonstrando em tais registos uma invulgar capacidade de integração espacial dos elementos da imagem em situações narrativas, não deixa de ser nos pequenos painéis devocionais que se afirma com especial nitidez uma sedutora técnica de utilização da própria matéria pictural, sendo também por aí que melhor se reconhece a sua ascendência na inconfundível tradição flamenga.

Esta exposição considera essa particular vertente da produção criativa da Oficina do Espinheiro, a das imagens religiosas para contemplação, meditação e oração individual ou privada, pinturinhas portáteis ou de oratório privativo que, na cela monástica, estimulavam uma piedade afectiva na contemplação de figuras de Cristo, da Virgem com o Menino ou de S. Jerónimo no deserto.

O ponto de partida e fulcro do percurso expositivo é uma obra inédita de Frei Carlos recém-adquirida para a colecção do MNAA, uma belíssima representação do Ecce Homo (39,5 x 31 cm). Submetida a exames fotográficos e radiográficos, essa documentação sobre a peça é apresentada em termos comparativos com documentação congénere de outras pinturas de tipo devocional produzidas no Espinheiro.
A exposição procura assinalar, através de 30 pinturas de pequeno formato mas de grande qualidade, a extraordinária procura de imagens devocionais na Europa do final da Idade Média e início do Renascimento, correspondendo a uma certa expressão do sentimento religioso e a um incremento do pietismo individual nessa época. As obras são de autoria predominantemente flamenga e portuguesa e algumas das pinturas mais qualificadas provêm de colecções privadas, nunca ou muito raramente tendo sido expostas ao público.

Ecce Homo

Jesus Cristo está a chorar. Várias lágrimas, oito, escorrem-lhe pela cara. A luz incide sobre elas. Algum sangue surge entre os lábios. O novo Ecce Homo do Museu de Arte Antiga, uma pequena pintura, com 40 centímetros de altura e 30 de largura, é uma obra para se ver muito de perto.
Frei Carlos, o pintor monge do século XVI, fê-la exactamente a pensar nessa proximidade. Fê-la também a pensar que a pudessem levar de um lado para o outro, como um Livro de Horas. "As pessoas meditam, rezam, oram em frente a estas imagens. É uma devoção mais humanista.(...)

A Virgem com o Menino e Anjos num Jardim - c.1538-39

Finalmente, coroando uma das componentes iconográficas do percurso expositivo, apresenta-se também o painel Virgem com o Menino e Anjos (1536-38), da autoria de Gregório Lopes, que acaba de ser restaurado pelo Departamento de Conservação do MNAA.

Uma pintura do século XVI para rezar em casa
Isabel Salema - Público

Esta pequena exposição temporária junta 30 obras, 23 das quais são pinturas com esta dimensão pequena. "É essa tipologia de pequeno formato que dá à peça um carácter portátil." O quadro recém-adquirido pode ter sido pintado para um prior de um convento o utilizar e apreciar em privado. "Estas peças querem estimular um diálogo piedoso com o sagrado numa dimensão privada. É o que nos diz o Ecce Homo do ponto de vista material, mas não há lastro do ponto de vista histórico." Não se sabe de onde vem, a não ser que estava no século XIX na colecção privada de Jorge O"Neill, em Lisboa.
"Há um realismo sereno na figura. Tem o sangue a escorrer e está como se nada fosse. Mas não deixa de ser fortemente dramática, porque a associamos ao heroismo de Cristo. O diálogo emotivo concentra-se no olhar directo de Cristo, profundamente humanista." Essa intenção interpelativa, de experiência imediata com a divindade, tem também um carácter sensorial.

O Bom Pastor - c.1520

O mais poético dos luso-flamengos
Estas peças de devoção privada são o inverso dos grandes retábulos das igrejas - Frei Carlos pintou vários, alguns encomendados pelo rei D. Manuel I -, que podemos considerar a arte pública da época. Ao contrário dos retábulos, onde há uma narrativa detalhada, no Ecce Homo não há representação do espaço ou do tempo. Estas imagens de devoção privilegiam a figura de Cristo e da Virgem Maria, num retrato em busto ou meio-corpo.
Frei Carlos é uma das figuras lendárias da pintura portuguesa. José Alberto Seabra diz que a descoberta desta pintura "foi uma surpresa fortíssima". É "inconfundivelmente" um Frei Carlos no estilo e terá sido pintada na década em que esteve mais activo, os anos 20 e 30 do século XVI. "Tem essa característica dos bons pintores flamengos, como Van Eyck e Roger Van der Weiden: consegue um apurado realismo da forma e simultaneamente uma idealização poética. Junta o real com o ideal." As mãos é o que mais impressiona José Alberto Seabra no quadro. "Parecem as de uma Madona. Ele é o mais poético dos luso-flamengos."
Frei Carlos é entre os pintores três luso-flamengos da época - além dele há Francisco Henriques (o favorito do rei) e o Mestre da Lourinhã - o que melhor domina a perspectiva, uma visão racionalizada do espaço, como se vê nos retábulos. São estes três, aliás, os melhores pintores em Portugal no início do século XVI. Frei Carlos terá estudado em Bruges ou Antuérpia e vem para Portugal porque cá há trabalho.

Ascensão - c.1530

O primeiro documento que se conhece sobre o monge-pintor é aquele que diz que professa no Convento do Espinheiro, em Évora, em Abril de 1517. "Eu Frei Carlos de Lisboa flamengo faço profissão..." Em 1540, sabe-se que terá morrido, porque outro documento refere o destino a dar ao espólio que estava na sua cela. Depois, várias crónicas falam-nos da sua fama como pintor.

Aparição de Cristo a Nossa Senhora - c.1529

Próximo da cidade de Évora, e bem no coração das vastas planícies Alentejanas, ergue-se o antigo e agora renovado Convento do Espinheiro, transformado num surpreendente hotel de luxoEste convento tem a sua origem numa lenda que relata a aparição da Virgem sobre um espinheiro. Em 1458, dada a importância deste local como destino de peregrinações, foi fundada uma igreja e posteriormente o convento que chegou a receber a visita de reis de Portugal.

Anunciação - c.1520

"Ele tem uma produção em circuito fechado. Terá só feito obras para os conventos da sua ordem, a dos monges de São Jerónimo." O Espinheiro, mas também os Jerónimos em Belém, Santa Marinha da Costa em Guimarães ou a Pena em Sintra. A oficina de Frei Carlos, instalada no Convento do Espinheiro, é a única em Portugal, na sua época, que faz estas imagens de devoção, chamadas imago pietatis.
Nos Países Baixos, estas pinturas devocionais de pequeno formato são comuns desde o século XV. (...)

O desdém da mediocridade

2006-11-14T01:30:00.000Z

AMADEO DE SOUSA-CARDOSO chegou a Paris em Novembro de 1906, alguns meses depois de Modigliani. Neste período, morria Cézanne, enquanto Picasso pintava «Les Demoiselles d`Avignon».
Em Montmartre, nos ateliers de boémia e miséria, começava uma nova época da pintura ocidental; Em Montparnasse, Amadeo procurava nos ateliers do Boulevard Raspail a admissão às «Beaux-Arts», no seguimento dos estudos iniciados em 1905, na Academia das Belas-Artes em Lisboa.

Desde cedo, Manuel Laranjeira, médico no Porto, exerceu grande influência, no plano intelectual e humano, na evolução do jovem Amadeo, a quem via nos verões da praia de Espinho, onde seus pais tinham casa. As tertúlias no Café Chinês, os passeios a dois e a troca de correspondência tornariam Amadeo seu confidente.

Manuel Laranjeira tinha perante a arte um sentimento de raiz literária da Renascença Portuguesa, entre névoas e saudades.

Este melancolismo não afectava Amadeo, antes lhe provocava desgosto pela futilidade da vida que levava; O tédio das cópias a carvão no casarão do Largo da Biblioteca, as caricaturas de professores e colegas, fraca compensação da mediocridade que deixara em Lisboa e Porto.

Fernando Pessoa chegava a Portugal , Santa-Rita pintava o «Orfeu do Inferno» e Almada Negreiros tinha dez anos de idade.

Amadeo, a quem Manuel Laranjeira vaticinara que «haveria de vencer, haveria de triunfar», desenhou o corpo do amigo enrodilhado numa cadeira de café, abandonado, escorregando, um braço estirado sobre o tampo, outro torcido para as costas da cadeira, as pernas magras torcidas e a trunfa negra saindo do chapeirão enfiado pela cabeça abaixo, boneco desarticulado, só de costas e à deriva do destino...

No verão de 1907, Amadeo abandonava os estudos na Escola de Arquitectura, enquanto confessava que, longe de ter perdido tempo por concluir não ter vocação, antes tinha alargado os seus conhecimentos artísticos , cuja utilidade se reflectia na sua evolução natural enquanto caricaturista.

Durante esse tempo, ia estudando os modelos da imprensa parisiense; Ao contrário de outros artistas portugueses que nesse período também estudavam em Paris, como Emmerico Nunes, Manuel Bentes, Acácio Lino, Alfredo Ferraz - modernistas e naturalistas - adquiria um traço mais sintético, de melhor definição formal, fruto da liberdade de quem não dependia dos desenhos para viver.

Na caricatura de 1910, juntamente com os colegas Manuel Bentes, Eduardo Viana e Emmerico, Amadeo é um rapaz empertigado, o busto envolvido numa capa que lhe esconde parte do rosto, um chapéu sobre os olhos, de pose espanholada.

Assim ele se via na autocaricatura; de peito arqueado e alargando os braços e as mãos enluvadas, caminhando nas pontas da botas para impor uma estatura que não era a sua.

Em noitadas de sacrifício a Baco, Amadeo, desnudano, fazendo peito, coroa de parras na cabeça e garrafas ao pé; a seu lado, Bentes, Alberto e Emmerico faziam figuração, repetindo poses dos «borrachos» de Velasquez.

Autocaricatura (canto superior esquerdo), 1910

in Amadeo & Almada, de José Augusto França - Bertrand Editora

Será porventura a Exposição mais importante do ano (para a Gulbenkian), pela importância da obra de Amadeo Sousa-Cardoso; Será que consegue rivalizar com esta?

Uma bela representação do feio

2006-10-20T13:00:00.000+01:00

Uma beleza natural é uma coisa bela: a beleza artística é uma bela representação de uma coisa. Para avaliar uma beleza natural, enquanto tal, não preciso ter primeiro um conceito do que deve ser o objecto; isto é, não me é necessário conhecer a finalidade material (o fim), mas é a mera forma, sem conhecimento do fim, que agrada por si na mesma avaliação.
Mas, se o objecto é apresentado como um produto da arte e enquanto tal, então deve ser definido belo, assim como a arte pressupõe sempre um fim na causa (e na causalidade dela), em primeiro lugar deve ser posto como fundamento um conceito daquilo que a coisa deve ser; e assim como a concordância do múltiplo numa coisa por uma sua determinação interna como fim é a perfeição da coisa, na avaliação da beleza da arte deverá ter-se em conta ao mesmo tempo a perfeição da coisa, sobre a qual, pelo contrário, de modo nenhum se questiona na avaliação de uma beleza natural (enquanto tal).
- É verdade que na avaliação dos objectos vivos da natureza, por exemplo do homem ou de um cavalo, se torna ordinariamente em consideração a finalidade objectiva, para julgar da sua beleza; mas, então, o juízo já não é estético puro, isto é, mero juízo de gosto.

Fresco do Inferno - Giovanni da Modena, c.1410

A natureza nunca é avaliada pelo facto de parecer arte, mas enquanto é efectivamente arte (embora sobre-humana); e o juízo teleológico serve ao esteta de fundamento e condição de que ele deve ter em conta. Com efeito, nesse caso, não se pensa, de facto, por exemplo, ao dizer: «Eis uma bela mulher», a não ser nisto:
a natureza representa de modo belo, na sua figura, os fins da compleição feminina;
na verdade, é preciso que se veja para além da mera forma, se vise um conceito, para assim se poder pensar o objecto mediante um juízo estético logicamente condicionado.
A arte bela mostra a sua excelência precisamente no facto de ela descrever de modo belo coisas que na natureza seriam feias ou desagradáveis.
As fúrias, as doenças, as devastações das guerras, etc., podem, enquanto coisas prejudiciais, ser descritas e até representadas pintando-as de maneira muito bela; mas uma espécie de fealdade não pode ser representada de modo conforme com a natureza sem destruir todo o comprazimento estético e, portanto, a Beleza artística, isto é, a que provoca desgosto.
De facto, nesta sensação singular que se fundamenta só na imaginação, o objecto é representado como se se impusesse à fruição, enquanto, pelo contrário, o repelimos violentamente; assim, a representação artística do objecto já não é distinta, na nossa sensação, da natureza do próprio objecto e, por isso, é impossível que seja considerada bela.

Immanuel Kant - Crítica da capacidade de juízo
in História da Beleza, de Umberto Eco

de que ri o mona lisa?

2006-10-07T13:45:00.000+01:00

Seurat, o novo impressionista

2006-08-15T19:30:00.000+01:00

Quando Georges Seurat (1859-1891) apresentou Um Domingo à Tarde na Ilha de la Grande Jatte (1884-1886), foi aclamado como o expoente dos pintores neo-impressionistas.

Les bourgeois de Paris, que parecem em excursão numa das ilhas do Sena, são na verdade figuras estáticas, desligadas entre si, conferindo assim um teor muito estruturado à composição.

Durante cerca de dois anos fez mais de sessenta estudos para esta composição, meticulosamente elaborada com minúsculos pontos de tinta.

As cambiantes dos tons básicos - obtidas pela distância entre as manchas de cor e pelos contrastes criados pela delimitação das áreas - de alguma forma, representam o início do cubismo.

A técnica pontilhista de Seurat, atinge a plenitude num dos seus últimos trabalhos, Os Modelos, de 1887.

clique nas imagens para ampliar

a tradição já não é o que era

2006-08-09T00:15:00.000+01:00

Gustave Courbet - Le Sommeil, 1866

A expressão máxima de uma visão vanguardista da sensualidade, aqui.

En passant...

2006-08-02T13:00:00.000+01:00

Fundació Joan Miró - Barcelona

... ou como a progressão imprime movimento à côr.

Ulises y las sirenas, de Picasso

2006-07-31T09:00:00.000+01:00

Ulises y las sirenas - Pablo Picasso, 1946

A la vora del mar. Tenia
una casa, el meu somni,
a la vora del mar.

Alta proa. Per lliures
camins d’aigua, l’esvelta
barca que jo manava.

Els ulls sabien
tot el repòs i l’ordre
d’una petita pàtria.

Com necessito
Contar-te la basarda
que fa la pluja als vidres!
Avui cau nit de fosca
damunt la meva casa.

Les roques negres
m’atrauen a naufragi.
Captiu del càntic,
el meu esforç inútil,
qui pot guiar-me a l’alba?

Ran de la mar tenia
una casa, un lent somni.

excerto XXV do poema Cementiri de Sinera (1946)
do poeta catalão Salvador Espriu

Erro de cálculo

2006-07-23T21:45:00.000+01:00

clique para ampliar

Nas Ramblas, em Barcelona.
O homem estátua gosta de ser fotografado... desde que lhe paguem.
O casal de ar britânico, pára. A senhora aponta a objectiva e dispara: uma, duas, três.
O homem estátua avança para ela, esfrega o polegar e o indicador: "peseta!"
A senhora sorri e afasta-se.
O homem estátua não acha graça, abre a mala e começa a disparar maçãs e laranjas.
Falha por pouco.
O senhor, volta-se e avança em passo decidido (vai dar-lhe um estalo, penso), tira-lhe os óculos da cara e vai-se embora.
O homem estátua fica sem a moeda, a provável refeição de fim de tarde... e os óculos.
"Pelo menos, se lhe tivesse acertado..."

Santíssima Trindade, de Montoliu

2006-07-19T00:00:00.000+01:00

Pintor da Coroa de Aragón, Valentí Montoliu trabalhou em Tarragona entre 1433 e 1447.
Seguidor do catalão Jaume Huguet, foi também autor do retábulo de San Abdón e San Senén de Villafranca del Cid.

Visão da Santíssima Trindade por São Francisco de Assis

detalhe

Visão da Santíssima Trindade por São Francisco de Assis.
Atribuída a Valentí Montoliu (séc. XV)
Pintura sobre tábua
Catedral de Tarragona

a menina dança?

2006-07-16T22:00:00.000+01:00

La alegría de vivir - Pablo Picasso, 1946

Não sei se por ser a obra mais emblemática de los Picassos des Antibes, mas é a minha favorita.

O mar, com os tons do Mediterrâneo; O bailado da mulher, homenageada; O centauro e os faunos, todos familiares; tudo desperta felicidade, alegria.

No Museu Picasso, em Barcelona.

Colecção Rau - Siberechts

2006-06-28T02:00:00.000+01:00

Gabinete de amador, 1661-1672

A luz fria e cintilante das paisagens e cenas de género de Jan-Siberechts ( 1627-1703), deu lugar neste Gabinete de amador a uma luminosidade mais quente, acompanhada do característico volume redondo que normalmente conferia aos corpos.

O casal coleccionador, rodeado de obras de pintura e escultura, dispostas sem ordem nem sentido, inversamente ao mosaico do chão.

A Marinha, de cunho holandês, atribuida ao também pintor de Antuérpia, Peeters; A Ordenha, característica das paisagens de Siberechts, o retrato que o jovem segura lembra o retratista Thomas Key e a grande natureza-morta de frutos, caça, macaco e gato lembra Jan Fyt - quadros dentro do quadro - representam a evocação dos seus contemporâneos.

Os tons das esculturas antigas, das paredes e dos rostos, revelam a preocupação do autor com a luz nas cenas de interior;
Mas o que me fascina neste quadro é o espelho na parede, que reflete a mão da senhora e o pequeno fio dourado, reflexo de luz na beira da mesa.

Para observar este nível de detalhe que uma obra prima merece, ou exige, é impossível ver esta Exposição en passant, ainda que signifique ter de voltar uma e outra vez.
Ainda não passei da primeira de oito salas!

Quartos Imaginários

2006-06-23T00:00:00.000+01:00

O Quarto de Cezariny em Lisboa, 2005

Ponto de partida para a Exposição Quartos Imaginários de Nikias Skapinakis, na Fundação Arpad Szenes - Vieira da Silva, já aqui mencionada.

Composição sobre o desenho "Tin Tin et Gazelle", de 1964.

Na parede do lado esquerdo, as portadas da janela são réplicas das pinturas de "Mário de Sá Carneiro raptando Vieira da Silva", de 1972 e de "Homenagem a Fernando Pessoa Oculista", de 1957.

Na parede do lado direito, encontram-se representados António Maria Lisboa, Cezariny e André Breton.

Por cima, o marinheiro com o cravo, a partir de "Delacroix no 25 de Abril em Atenas".

Fim-de-semana cultural

2006-06-22T00:45:00.000+01:00

Las Meninas, 1957

El Museo Nacional del Prado y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía conmemorarán el 25 aniversario de la llegada del Guernica a España presentando la exposición Picasso.
Tradición y Vanguardia en un año en que también se conmemoran los 125 años del nacimiento del artista.

Para evitar as intermináveis filas de acesso à Exposição, a compra antecipada de entradas na página do El Corte Ingléz será uma boa opção.
Até 3 de Setembro.

Maria Altmann, casa comigo!

2006-06-20T02:00:00.000+01:00

Portrait of Adele Bloch-Bauer-I - Gustav Klimt, 1907

Está tudo doido!

Emulação da Música

2006-06-15T17:00:00.000+01:00

Violin and Pitcher - Georges Braque, 1909-1910

A invenção da melodia, a descoberta de todos os mais íntimos segredos da vontade e da sensibilidade humanas, é obra do génio.
A sua acção é mais visível aí do que em qualquer outro lado, mais irreflectida, mais livre de qualquer intenção consciente; é uma verdadeira inspiração.
A ideia, quer dizer, o conhecimento preconcebido das coisas abstractas e positivas, neste ponto, como em toda a arte, é completamente estéril; o compositor revela a mais íntima essência do mundo e exprime a mais profunda sabedoria numa linguagem que a sua razão não compreende; tal como uma sonâmbula dá respostas claríssimas sobre assuntos dos quais, desperta, não conhece absolutamente nada.

in Pensamentos, de A. Schopenhauer

Girl with a Mandolin - Pablo-Picasso, 1910

Período - Cubismo Analítico

O Milagre de Santo António, de Francisco José de Goya

2006-06-13T02:00:00.000+01:00

A liberdade de criação concedida pelo Rei Carlos IV a Goya ( 1746-1828), permitiu-lhe executar, de forma pouco convencional, a cúpula da Capela de Santo António, em Madrid.

Destituída de seres celestiais, está povoada com rostos de expressão humana, que assistem ao milagre do santo.

Fresco - O Milagre de Santo António, 1798

Ao contrário dos anjos, que não caem do céu, na cúpula - enfaticamente terrena - os homens precisam da grade para se segurarem.

detalhe

Na presença da turba lisboeta, Santo António devolve a vida ao homem assassinado, para que assim o seu pai seja declarado inocente.

detalhe

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Pasiones de Dora Maar

2006-06-05T01:00:00.000+01:00

Pablo Picasso

Man Ray

deusas menores

2006-05-31T00:00:00.000+01:00

Graça Morais "ilustrada" por Sophia de Mello Breyner Andresen.
No Centro Nacional de Cultura, até 30 de Junho.

Soneto de Eurydice

Eurydice perdida que no cheiro
E nas vozes do mar procura Orpheu:
Ausência que povoa terra e céu
E cobre de silêncio o mundo inteiro.

Assim bebi manhãs de nevoeiro
E deixei de estar viva e de ser eu
Em procura de um rosto que era o meu
O meu rosto secreto e verdadeiro.

Porém nem nas marés, nem na miragem
Eu te encontrei. Erguia-se somente
O rosto liso e puro da paisagem.

E devagar tornei-me transparente
Como morte nascida à tua imagem
E no mundo perdida esterilmente.

A minha Kahlo preferida

2006-05-21T16:30:00.000+01:00

Frida Kahlo - O Autocarro, 1929

O acidente que marcou a sua vida.
A evocação do autocarro em que viajava.

Frida Kahlo - Hospital Henry Ford, 1932

(A)fetos. A lenta agonia na cama de hospital.
A impossibilidade de gerar vida.

Frida Kahlo - Umas quantas facaditas, 1935

As marcas de uma faca na moldura salpicada de cor de sangue;
O crime passional trazido para fora da tela.

Morte de São Francisco, de Bartolomeo Carducho

2006-05-16T22:30:00.000+01:00

Morte de São Francisco - Bartolomeo Carducho, 1593

Cada personagem, cuidadosamente pousada no lugar certo, como num presépio.

Os gestos e as expressões dos franciscanos, profundamente humanas, na prece e no sofrimento pela perda, em absoluto contraste com a vida que se extingue.

Os pequenos adereços, a frugalidade ascética destes homens...

Em contemplação

Chichorro, João

2006-05-04T19:00:00.000+01:00

sem título, 2005

Inaugura hoje (creio que com o acervo da Galeria) uma exposição deste arquitecto, artista plástico, designer e presidente da secção portuguesa da International Interior Design Association.
Até dia 24, na Galeria São Mamede.

Colecção Rau - Canaletto

2006-04-28T01:15:00.000+01:00

Canaletto - Saint Mark's Square, 1740-1750

Esta obra de Canaletto (1697-1768) pertence ao período mais luminoso do pintor vedutista (de vista, paisagem, perspectiva), que se iniciou como cenógrafo.
Por esse facto, as figuras surgem salpicadas, como se de uma peça de teatro se tratasse, com a finalidade de dar vida à fachada palaciana.
É a celebração da própria história de Veneza que aqui vemos, numa grandiosa coreografia.

Catarse Pessoana

2006-04-17T23:30:00.000+01:00

OFELINHA ESTUDADA EM TODO O MUNDO

Exposição de Luzia Lage, na Galeria São Mamede, até 4 de Maio.

Hércules e Ônfale, de François Lemoyne

2006-04-14T17:30:00.000+01:00

Entre o mito e a saga heróica, Hércules, o deus protector dos homens e guardião das cidades, de regresso a Tebas após ter realizado os Doze Trabalhos, teve um acesso de loucura e matou Iphitus.
Procurou então o perdão do deus grego Hermes, que o condenou a três anos de servidão à rainha Ônfale, de quem se tornou amante.

Hércules e Ônfale, de François Lemoyne, 1724

A humilhação de Hércules ao serviço de Ônfale, simboliza nesta obra de Lemoyne (1688-1737) o domínio da mulher - grandemente ilustrado no final do Período Barroco - , é visível pela troca de adornos: o semideus, coberto por um drapeau de motivos dourados, executa uma tarefa feminina, segurando um fuso e uma roca, enquanto a rainha se cobre com uma pele de leão.

O pôr-do-sol em fundo deixa antever a noite de amor que se aproxima.

Enrolada na pele de leão de Hércules, Ônfale tem o peito descoberto, deixando visível a tonalidade clara da sua pele, em contraste com o tom bronzeado do amante.

Com o cabelo solto sobre o peito, Ônfale inclina-se num suave abraço a Hércules, cujo rosto, na penumbra, deixa mais visíveis os seus atributos físicos.

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Colecção Rau -Guido Reni

2006-03-27T00:00:00.000+01:00

Guido Reni - David Decapitating Goliath, 1606-1607

Guido Reni (1575-1642), começou por ser admirador de Rafael, mas foi de Caravaggio que bebeu maior influência e de quem se tornaria rival.

Ao maior exemplo desse período - A cruxificação de São Pedro, 1603, seguiu-se o desenvolvimento do seu estilo pessoal, tendo como expoentes O Massacre dos Inocentes-1611 (ainda sob a influência do mestre), Aurora-1612-1614 e O Baptismo de Cristo-1623, talvez a composição mais madura da sua obra.

retrato ou máscara?

2006-03-07T08:30:00.000Z

Jorge Sampaio, por Paula Rêgo - 2006

A quase ausência de expressividade - ao contrário do Mário Soares de Pomar - expõe de forma inteligente e criativa a sobriedade com que Jorge Sampaio será recordado.

Também muito interessante, a disposição dos elementos essenciais do quadro: a separação das côres nacionais, a figura da República e a componente retratista de Sampaio, características da atitude estética de Paula Rêgo.

Alguém esperaria um retrato puro de Paula Rêgo?

Exposição - O Sagrado

2006-03-04T16:00:00.000Z

Sagrada Família, 2005

Armanda Passos expõe na Galeria São Mamede 16 óleos sobre tela.

A pintura neofigurativa de Armanda Passos caracteriza-se pela disposição no plano bidimensional - sem profundidade - das figuras representadas.

Até 15 de Março.

Colecção Rau - Corot

2006-02-25T01:00:00.000Z

Mulher Argelina, 1871-1873

Mestre impressionista da gradação de tons e margens suaves,
Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875) - Le père Corot - foi percursor do trabalho de grandes pintores de paisagens, como Claude Monet e Camille Pissarro, sobre quem exerceu grande influência.

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Livro 2 - Os Alvores do Renascimento

2006-02-19T01:30:00.000Z

No segundo volume de A GRANDE HISTÓRIA DA ARTE são apresentados alguns trabalhos que ilustram a redescoberta da antiguidade clássica, onde os artistas se inspiraram para a ruptura com a tradição medieval, até então dedicada ao sagrado.
No início do século XV, tendo como ponto de partida a Bíblia e o interesse pelas letras como forma de conhecimento, criou-se a corrente humanista.

Também a técnica da perspectiva linear - desenvolvida por
Filippo Brunelleschi - deu origem a uma nova noção de espaço, designada por janela pictórica.

Entre a realidade objectiva e a sua expressão simbólica encontramos a correspondência entre medida e proporção:
- O homem é a medida de todas as coisas, mas essa medida é proporcionada por Deus.
Da adopção deste preceito, nasceu o movimento que se designou por naturalismo.

No fim do primeiro quartel do século XV, Masaccio (1401-1428) criou a Santíssima Trindade, um fresco fundamental nas obras fundadoras do Renascimento.

A Santíssima Trindade, 1426-1427

O espaço tridimensional realça a hierarquização das figuras e transmite uma noção exacta do volume e do espaço, por via da parede escavada.
Os encomendadores ajoelhados - cuja participação é indirecta, na cena - conferem profundidade ao primeiro plano.
Um triângulo - que simboliza a trindade - agrupa Maria, João e Cristo;
Outro, invertido, tem por base os capitéis, e junta Deus e Cristo.

esquema da perspectiva

O sarcófago, que representa a morte, tem inscrita a legenda
EU FUI O QUE TU ÉS E O QUE EU SOU TU SERÁS.

detalhe da figura da Virgem Maria

detalhe da figura de João Evangelista.

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Índice do Volume:
1 - A Europa das Cortes: O Gótico Internacional
2 - O Estudo da Antiguidade Clássica
3 - A Descoberta da Perspectiva
4 - A Descrição Analítica da Realidade
5 - O Homem no Centro do Universo
6 - A Difusão da Linguagem Renascentista
7 - O Contexto Veneziano
8 - O Tempo de Lorenzo, O Magnífico

ARCO'06 - Sofia Areal

2006-02-17T00:00:00.000Z

series 360º ao Sol, 2005

acrílico sobre tela
190 x 190 cm

ARCO'06 - Pedro Calapez

2006-02-16T00:15:00.000Z

Composição 16, 2005

acrílico sobre aluminio
102,5 x 218,5 x 40,5 cm

abstract landscape 27

quatro aguarelas sobre papel
32,5 x 200 cm

Composição 09, 2005

acrílico sobre alumínio
146 x 80,5 x 36 cm

Colecção Rau - El Greco

2006-02-11T20:00:00.000Z

O Museu Nacional de Arte Antiga vai acolher a Exposição
Grandes Mestres da Pintura Europeia: De Fra Angelico a Bonnard
Colecção Rau - 18 de Maio a 17 de Setembro

As 95 obras que vão estar expostas distribuem-se da seguinte forma:

Primeiro Período: entre os séculos XV e XVIII
Número de obras: 46
Escolas representadas: italiana, flamenga, holandesa, alemã, francesa, espanhola e britânica
Autores: Fra Angelico, Bernardino Luini, António Solario, Guido Renni, Canaletto, Tiepolo, Porbus, Van Goyen, Van Ruysdael, Gerard Dou, Siberechts, Cranach, Philippe de Champaigne, Largillière, Boucher, Latour, Greuze, Fragonard, Robert, Vigée-Le Brun, El Greco, Ribera, Reynolds e Gainsborough.
Destaques: dois pequenos paineis de Fra Angelico, um retrato de Luini, um David Decapitando Golias de Renni e este excepcional
São Domingos em Oração de El Greco.

Saint Dominic in Prayer, 1600-1610

Segundo Período: Séculos XIX e XX
Número de obras: 49
Escolas representadas: impressionismo, simbolismo e nabis, fauvismo e expressionismo.
Autores: Corot, Courbet, Cézanne, Manet, Degas, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Liebermann, Signac, Lautrec, Redon, Bonnard, Vuillard, Vlaminck, Dufy, Derain, Macke e Morandi.
Destaques: Mulher Argelina de Corot, Bacante de Courbet, Praia de Trouville de Boudin e Vista de l`Hermitage de Pissarro.

Esta Exposição, de qualidade excepcional, será certamente o acontecimento cultural mais importante do ano de 2006 em Portugal. Absolutamente imperdível.

Agradecimento a Madalena Reis do MNAA, pelos esclarecimentos prestados

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ARCO'06 - Galerias participantes

2006-02-09T23:00:00.000Z

Feira de Arte Contemporânea de Madrid - ARCO'06
Até 17 de Fevereiro de 2006.
Da lista de presenças, destaque para 14 Galerias de Portugal:

24B ARTE CONTEMPORANEA, Portugal www.galeria24b.com

AD HOC, Espanha www.art-es.com/adhoc

AELE - EVELYN BOTELLA, Espanha www.artemadrid.com

ALEJANDRO SALES, Espanha www.alejandrosales.com

ALEXANDER AND BONIN, EUA www.alexanderandbonin.com

ALFONSO ARTIACO, Itália www.alfonsoartiaco.com

ALFREDO VIÑAS, Espanha www.alfredoviñas.com

ALTAIR, Espanha www.galeriaaltair.com

ANDRÉHN-SCHIPTJENKO, Suécia www.andrehn-schiptjenko.com

ANNELY JUDA FINE ART, Grã-Bretanha www.annelyjudafineart.co.

ANTONIO DE BARNOLA, Espanha www.antoniobarnola.com

ANTONIO MACHÓN, Espanha www.antoniomachon.com

ART OF THIS CENTURY, EUA www.art-of-this-century.com

B&D STUDIO, Itália www.bnd.it

BACELOS, Espanha www.art-es.com

BARBARA THUMM, Alemanha www.bthumm.de

BÄRBEL GRÄSSLIN, Alemanha www.galerie-graesslin.de

BARÓ CRUZ, Brasil www.barocruz.com

BAUDOIN LEBON, França www.baudoin-lebon.com

BHAK / Seoul, Coreia www.galeriebhak.com

BITFORMS GALLERY, EUA www.bitforms.com

BOB VAN ORSOUW, Suíça www.bobvanorsouw.ch

BRITO CIMINO, Brasil www.britocimino.com.br

CÀNEM, Espanha www.galeriacanem.com

CARLES TACHÉ, Espanha www.carlestache.com

CARLIER I GEBAUER, Alemanha www.galeriegebauer.com

CASA TRIÂNGULO, Brasil www.casatriangulo.com

CATHERINE PUTMAN, França www.catherineputman.com

CHANGING ROLE MOVE OVER GALLERY, Itália www.changingrole.com

CHARLES COWLES, EUA www.cowlesgallery.com

CHINESE CONTEMPORARY, Grã-Bretanha www.chinesecontemporary.com

CHRISTOPHER GRIMES GALLERY, EUA www.cgrimes.com

CLAIREFONTAINE, Luxemburgo www.galerieclairefontaine.lu

COLÓN XVI, Espanha www.galeriacolon.com

CRISTINA GUERRA CONTEMPORARY ART, PORTUGAL www.cristinaguerra.com

DELS ÀNGELS, Espanha www.galeriadelsangels.com

DISTRITO CU4TRO, Espanha www.distrito4.com; www.galeriadv.com

EDWARD TYLER NAHEM FINE ART, EUA www.etnahem.com

ELBA BENÍTEZ GALERÍA, Espanha www.elbabenitez.com

ELVIRA GONZÁLEZ, Espanha www.galeriaelviragonzalez.com

EMMA MOLINA, México www.galeriaemmamolina.com

ESPACIO LÍQUIDO, Espanha www.espacioliquido.net

ESPACIO MÍNIMO, Espanha www.espaciominimo.com

ESTIARTE, Espanha www.estiarte.com

ESTRANY -DE LA MOTA, Espanha www.estranydelamota.com

FERNANDO PRADILLA, Espanha www.galeriafernandopradilla.com

FERRÁN CANO, Espanha www. artnet.com/ferrancano.html

FILOMENA SOARES, PORTUGAL www.gfilomenasoares.com

FONSECA MACEDO, PORTUGAL www.fonsecamacedo.com

FORSBLOM, Finlândia www.galerieforsblom.com

FÚCARES, Espanha www.fucares.com

GALERIA 111, PORTUGAL www.galeria111.pt

GALERIE 1900 * 2000, França www.galerie1900-2000.com

GALERIE THOMAS, Alemanha www.galerie-thomas.de

GANA ART GALLERY, Coreia www.ganaart.com

GENTILI, Itália www.galleriagentili.it

GEORG NOTHELFER, Alemanha www.berliner-galerien.de

GREENAWAY ART GALLERY: ADELAIDE, Austrália www.greenaway.com.au

GREENBERG VAN DOREN, EUA www.gvdgallery.com

GUILLERMO DE OSMA GALERÍA, Espanha www.guillermodeosma.es

GUY BÄRTSCHI, Suíça www.barstchi.ch

HANS MAYER, Alemanha www.artnet.com/hmayer.html

HAUNCH OF VENISON, Grã-Bretanha www.haunchofvenison.com

HEIKE CURTZE, Áustria www.kunstnet.at/curtze

HEINRICH EHRHARDT, Espanha www.heinrichehrhardt.com

HEINZ HOLTMANN, Alemanha www.galerie-holtmann.de

HELGA DE ALVEAR, Espanha www.helgadealvear.net

HORRACH MOYÀ , Espanha www.horrachmoya.com

HUBERT WINTER, Áustria www.galeriewinter.at

I-20 GALLERY, EUA www.i-20.com

JAVIER LÓPEZ, Espanha www.galeriajavierlopez.com

JEANNE BUCHER, França www.officieldesars.com/jeanne-bucher

JOAN GASPAR, Espanha www.galgasparjoan.com / www.galeriajoangaspar.com

JOAN PRATS, Espanha www.galeriajoanprats.com

JORGE MARA-LA RUCHE, ARGENTINA www.laruche.com.ar

JORGE SHIRLEY, LDA., PORTUGAL www.jorgeshirley.com

JUANA DE AIZPURU, Espanha www.galeriajuanadeaizpuru.com

KARSTEN GREVE, Suíça www.galerie-karsten-greve.com

KUNSTHAUS SANTA FE, México www.kunsthaus.org.mx

L.A. GALERIE- LOTHAR ALBRECHT, Alemanha www.lagalerie.de

LA CAJA NEGRA, Espanha www.lacajanegra.com

LA FÁBRICA GALERÍA , Espanha www.lafabricagaleria.com

LA NAVE QUATTRO S.L., Espanha www.galerialanave.com

LEANDRO NAVARRO, Espanha www.leandro-navarro.com

LELONG, França www.galerie-lelong.com

LEYENDECKER, Espanha www.leyendecker.net

Lisbon VINTE, PORTUGAL www.Lisbon20.pt

LISSON GALLERY, Grã-Bretanha www.lisson.co.Grã-Bretanha

LLUCIÀ HOMS, Espanha www.galerialluciahoms.es

LUIS ADELANTADO, Espanha www.galerialuisadelantado.com

MAGDA BELLOTTI, Espanha www.magdabellotti.com

MAI 36 GALERIE, Suíça www.mai36.com

MAIOR, Espanha www.galeriamaior.com

MANUEL BARBIÉ, Espanha www.galeriabarbie.com

MANUEL OJEDA, Espanha www.galeriamanuelojeda.com

MARCO NOIRE CONTEMPORARY ART, Itália www.marconoire.com

MÁRIO SEQUEIRA, PORTUGAL www.mariosequeira.com

MARISA MARIMÓN, Espanha www.marisamarimon.com

MARK MÜLLER, Suíça www.markmueller.ch

MARLBOROUGH GALLERY, Espanha www.marlboroughgallery.com

MAX ESTRELLA, Espanha www.maxestrella.com

MAX WIGRAM GALLERY, Grã-Bretanha www.mwprojects.net

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MICHAEL HOPPEN, Grã-Bretanha www.michelhoppengallery.com

MICHAEL JANSSEN, Alemanha www.michaeljanssen.de

MICHAEL SCHULTZ OHG, Alemanha www.galerie-schultz.de

MICHELINE SZWAJCER, Bélgica www.gms.be

MIMMO SCOGNAMIGLIO, Itália www.mimmoscognamiglio.com

MIXOGRAFIA, EUA www.mixografia.com

MORIARTY, Espanha www.galeriamoriarty.com

MY NAME'S LOLITA ART, Espanha www.mynameslolita.com

NILS STAERK CONTEMPORARY ART, Dinamarca www.nilsstaerk.com

NUSSER & BAUMGART CONTEMPORARY, Alemanha www.nusserbaumgart.com

OLIVA ARAUNA, Espanha www.olivarauna.com

OMR, México www.galeriaomr.com

ORANGERIE-REINZ, Alemanha www.orangerie-reinz.de

ORIOL GALERIA D'ART, Espanha www.galeriaoriol.com

PACK, Itália www.galleriapack.com

PEDRO OLIVEIRA, PORTUGAL www.galeriapedrooliveira.com

PEPE COBO, Espanha www.pepecobo.com

PILAR PARRA, Espanha www.pilarparra.com

POGGIALI & FORCONI s.n.c., Itália ww.poggialieforconi.it

POLÍGRAFA OBRA GRÁFICA, Espanha www.poligrafa.net

PRESENÇA, PORTUGAL www.galeriapresenca.pt

PROJECTESD, Espanha www.projectesd.com

PUNTO, Espanha www.galeriapunto.com

QUADRADO AZUL, PORTUGAL www.quadradoazul.pt

RAFAEL ORTIZ, Espanha www.galeriarafaelortiz.com

RAMIS BARQUET, EUA www.ramisbarquet.com

RENA BRANSTEN GALLERY, EUA www.renabranstengallery.com

RIZZIERO ARTE, Itália www.rizzieroarte.com

ROLF HENGESBACH, Alemanha www.rolf-hengesbach.de

RUTH BENZACAR GALERÍA DE ARTE, Argentina www.ruthbenzacar.com

SABINE KNUST, Alemanha www.SabineKnust.com

SALA PELAIRES, Espanha www.pelaires.com

SALVADOR DÍAZ, Espanha www.salvadordiaz.net

SCQ GALERÍA DE ARTE CONTEMPORÁNEA, Espanha www.galeriaSCQ.com

SENDA, Espanha www.galeriasenda.com

SFEIR-SEMLER, Alemanha www.sfeir-semler.de

SIBONEY, Espanha www.galeriasiboney.com

SOLEDAD LORENZO, Espanha www.soledadlorenzo.com

SOLLERTIS, França www.sollertis.com

SPECTRUM SOTOS, Espanha www.spectrumsotos.com

STELLA ART GALLERY, Russia www.stellaartgallery.com

SEUANNA KULLI, Suíça www.sEUAnnakulli.ch

THADDAEUS ROPAC, França www.ropac.net

ELISABETH & KLAUS THOMAN, Áustria www.galeriethoman.at

THOMAS SCHULTE, Alemanha www.galeriethomasschulte.de

TIM VAN LAERE GALLERY, Bélgica www.timvanlaeregallery.com

TOMÁS MARCH, Espanha www.tomasmarch.com

TONI TÀPIES, Espanha www.tonitapies.com

TORCH, Holanda www.torchgallery.com

TRAMA, Espanha www.galeriatrama.com

TRAVESÍA CUATRO, Espanha www.travesiacuatro.com

TRINTA, Espanha www.galeriatrinta.com

VACÍO 9, Espanha www.vacio9.com

VALLE ORTÍ, Espanha www.valleorti.com

VAN DE WEGHE, EUA www.vdwfineart.com

VANGUARDIA, Espanha www.galeriavanguardia.com

VERA MUNRO, Alemanha www.veramunro.de

VISOR, Espanha www.galeriavisor.com

WETTERLING GALLERY, Suécia www.wetterlinggallery.com

WINDSOR KULTURGINTZA, Espanha www.art-es.com

XAVIER FIOL, Espanha www.galeriaxavierfiol.com

YVON LAMBERT, França www.yvon-lambert.com

Livro 1 - Arte Gótica

2006-02-04T01:30:00.000Z

O jornal Público disponibiliza a partir de hoje a A GRANDE HISTÓRIA DA ARTE, com revisão técnica de Paulo Pereira e Ferreira Chaves.

A Colecção:
1. Arte Gótica – 20060204
2. Os Alvores do Renascimento – 20060211
3. O Renascimento e o Maneirismo – 20060218
4. Arte Média e Romantismo – 20060225
5. Arte do Próximo Oriente – 20060304
6. Arte Egípcia – 20060311
7. Arte Barroca – 20060318
8. Arte Rococó – 20060325
9. Romantismo e Realismo – 20060401
10. Arte Fenícia – 20060405
11. Arte Grega – 20060415
12. Arte Romana – 20060422
13. Impressionismo – 20060429
14. Cubismo – 20060506
15. Período entre Guerras – 20060513
16. Dicionário de Artistas I - 20060520
17. Dicionário de Artistas II – 20060527
18. Dicionário de Termos Artísticos e Arquitectónicos - 20060603

Lamentação pela morte de Cristo, 1303-1305

Giotto di Bondone (1266?-1337)

Cappella degli Scrovegni - Capela da Arena, Padua

Durante os séculos XI e XII teve lugar a origem das grandes ordens religiosas como a Cisterciense, que nos deixou a Abadia de Alcobaça.

Os artistas das grandes catedrais - cujos motivos remetiam para a antiguidade clássica – perderam algum brilho para os pintores, que se inspiravam na vida, expressa numa visão mais alegre da realidade, menos bizantina.

A elegância e a humanidade das imagens - no detalhe e na luz - eram marcas de artistas como Giotto, Duccio, Fra Angelico, Simone Martini e os irmãos Lorenzetti, nomeadamente nos frescos.

Este período, historicamente pouco definido durante a transição da Idade Média para o Renascimento, designou-se a partir do século XVI como Gótico.
Sociedades evoluidas como a França e a Itália, deram um grande contributo para a emergência da arte europeia nesta época.

Maestà, 1315 (detalhe)

Fresco de Simone Martini (1280?-1344)

Palazzo Pubblico, Siena

Nota positiva-
Grande profusão de imagens; análise e aprofundamento de obras.
Nota negativa-
Algumas imagens de fraca qualidade; embalagem sofrível.

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A Escola de Atenas, de Rafael

2005-11-22T19:00:00.000Z

Entre 1509 e 1512, Rafael representou nas paredes de uma das salas privativas do Papa Júlio II as quatro faculdades clássicas, dando mostras de um elevado grau de liberdade intelectual.
Perante esta composição expansiva, o espectador quase se alheia do facto de o espaço ser mal iluminado.
A personificação da antiga Filosofia situa-se na parede directamente oposta à Disputà ( Teologia ), ilustrando a veneração do Santo Sacramento, que será abordada no próximo post.

A Escola de Atenas representa a verdade adquirida através da razão.
Em lugar de a ilustração recorrer às figuras alegóricas, como era hábito nos séculos XIV e XV, convocando o olhar para o infinito, Rafael submete o espaço pictórico às leis do plano, revelando conhecimento da arquitetura dos banhos romanos, fazendo a síntese entre o pagão e o profano.

A Escola de Atenas
As figuras solenes de pensadores e filósofos - juntas em cada tema - representam um verdadeiro debate filosófico: astronomia, geometria, aritmética e geometria dos sólidos, são descritas de forma concreta, num imponente plano arquitectonicamente enquadrado no centro de um vasto espaço abobadado.
As figuras estão dispostas da esquerda para a direita, enquanto a arquitetura do eixo central é contrabalançada pelas paredes que avançam de ambos os lados.

detalhe
No primeiro plano à esquerda, um rapaz segura a tábua da harmonia musical diante de Pitágoras.

detalhe
A figura de Sócrates, de perfil.

detalhe
Platão e Aristóteles, considerados os principais representantes da filosofia grega durante toda a Idade Média, caminham em diálogo no topo das escadas.
Em baixo e ao centro - em atitude filosófica - Diógenes? reclina-se nos degraus, numa expressão de despojamento em relação às necessidades materiais e a um estilo de vida.

detalhe
A figura de Heráclito? - reclinado sobre o bloco de mármore - terá sido associada mais tarde.

detalhe
Euclides desenha uma figura geométrica perante um grupo de jovens.

detalhe
A figura com o globo - vista de trás - é provavelmente Ptolomeu, tendo à sua frente Zaratrusta com a esfera.

detalhe
Rafael - de chapéu escuro - e o seu amigo Sodoma

detalhe
Minerva

As figuras desta composição não se atropelam nem são sufocadas pelo aglomerado; sugerem movimento, numa celebração do pensamento clássico liberal, onde tudo é discutido e exercitado.

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Maria de Médicis, de Rubens

2005-10-31T19:00:00.000Z

Peter Paul Rubens (1577-1640) - o grande mestre do Barroco, visitou Itália pela primeira vez em 1600.
Bebeu as influências de Tintoretto, Rafael e Caravaggio, como foi referido no post anterior.

Ao seu atelier de Antuérpia chegou em 1622 uma encomenda de 21 pinturas sobre a vida de Maria de Médicis, viúva de Henrique IV de França.

Maria de Médicis, 1622-1625

A primeira mulher de Henrique IV - a rainha Margot - viu o casamento anulado por não lhe ter dado nenhum herdeiro.
Catarina de Médicis, sua mãe, era prima afastada de Maria de Médicis de Itália;
Maria deu quatro filhos a Henrique IV, entre os quais o futuro rei Louis XIII.

detalhe

O desembarque em Marselha - a 3 de Novembro de 1600 - é aqui representado alegoricamente.
Sobre a Rainha flutua um fauno;
Neptuno e as ninfas acompanham o navio, para garantir a sua segurança.

detalhe

Este trabalho de Rubens visa legitimar a governação de Maria de Médicis, nomeada Regente após a morte do Rei, assassinado no dia seguinte à coroação.
Começavam aqui os problemas com o príncipe herdeiro..
Os factos históricos retratados por Rubens nesta obra, adquirem assim uma importância intemporal.

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O deus cortesão, de Velázquez

2005-10-16T20:00:00.000+01:00

A influência de Caravaggio e Rubens na obra de Diego Velázquez (1599-1660), pela utilização do chiaroscuro e das côres primárias, está mais uma vez presente neste Baco-Os Bêbados (1628-29) - um dos expoentes da caricatura social no Barroco.

Descendente de nobres portugueses, Velázquez grangeou fama na Corte Espanhola através dos bodegones - cenas de interior com elementos de naturezas-mortas.
O seu estilo muito próprio e inimitável, de natureza contemplativa e profundamente humanista, não fêz, porém, escola.

Baco (Os bêbados)

Esta obra assume um especial significado na pintura espanhola, pois a embriaguês era considerada um vício desprezível, sendo borracho o maior dos insultos.
Convidar e embebedar pessoas de classe baixa dos teatros de comédia para divertimento das senhoras, era pois uma forma de entretenimento na Corte Real.
Foi neste enquadramento que Velázquez pintou Baco para Filipe IV, que o colocou no seu quarto de verão.

Este divertido Deus do Vinho, rodeado por oito bêbados com quem convive, confere-lhes uma sensação de majestade, ao coroá-los com uma hera; por isso riem para quem se ri deles: o rei.

A caricatura da censura dos nobres face aos prazer dos camponeses pelo vinho, é simultaneamente máscara e disfarce - através da visão de um deus cortesão que se diverte, de igual modo.

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Bacchus, de Caravaggio

2005-09-28T02:00:00.000+01:00

O característico tratamento da luz, salientada de forma dramática no claro-escuro da obra de Caravaggio (1573-1610) combina em Bacchus-1596, uma realidade simultaneamente estranha e intensamente penetrante.

Bacchus

No período das suas produções em Roma - para onde partiu em 1592 - em que trabalhou sob mecenato, Caravaggio utilizava frequentemente adolescentes nos seus temas.

Este Baco surge, não como deus antigo - na altura traço característico do Maneirismo - mas como uma figura efeminada, de feições algo rudes e olhar pouco expressivo, que nos oferece vinho segurando a taça com as unhas sujas, numa clara expressão do Realismo.

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O fundo escuro, parte integrante do trabalho de Caravaggio, é aqui entendido como forma de espiritualidade associada ao culto do vinho.

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Vénus e Marte, de Botticelli

2005-09-21T20:00:00.000+01:00

A pintura florentina da segunda metade do séc. XV sofreu uma transformação cultural que evoluiu de uma cultura cívica para uma cultura palaciana, em grande medida pelo poder e influência dos Médicis.

Vénus e Marte, de Sandro Botticelli (1445-1510) ilustra essa mudança.

Vénus e Marte, 1480

Vénus, a Deusa do Amor - aqui ricamente trajada e com uma postura vigilante - conquistou Marte, o Deus da Guerra, que - despojado de pensamentos bélicos - dorme no chão, rodeado pelos faunos.
Vénus e Marte refletem o amor espititual, que se sobrepõe à violência.

"O Pensamento Platónico alia-se ao Cristianismo sob a forma de tensão erótica"

É curioso como Vénus, em aparente estado de alerta, tem uma postura algo descontraída, enquanto Marte, com a cabeça reclinada, sugere algum movimento, pela postura dos braços.

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As Banhistas, de Ingres

2005-09-14T20:00:00.000+01:00

Jean-Auguste-Dominique Ingres ( 1780-1867), que elegeu este tema como um dos seus favoritos, expôs a sua obra em simultâneo com o trabalho de Delacroix descrito no post anterior, no Salão de Paris de1824.

Para sua surpresa, foi aclamado como um dos artistas que se opunham ao Novo Romantismo.

A Banhista, 1808

Neste seu primeiro estudo sobre o nú feminino, o apelo estético reside na monumentalização da figura individual.

A Grande Odalisca, 1814

"Quanto mais simples forem as formas, maior a beleza e a força."

O Banho Turco, 1862

Nesta obra-prima realizada nos últimos anos de vida, Ingres retoma as banhistas e odaliscas dos primeiros anos. Os motivos para estas formas femininas idealizadas que vivem apenas para a beleza e prazer, são baseados em relatos pormenorizados do oriente - descrições sobre os banhos no harém de Maomé - e as cartas onde Lady Montagu descreve os banhos turcos.

Pela beleza abstracta, a magnífica pele branca como leite, as formas graciosas dos seus corpos e os seus cabelos e pela sua sensualidade, as banhistas possuem uma inocência paradisíaca, sem gestos ou comportamentos indecorosos entre si.
A beleza intangível das mulheres - suspensa no tempo - é obtida com grande economia de meios, através dos subtis jogos de luz que lhes moldam as formas e a pele.

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O Massacre de Chios, de Delacroix

2005-09-11T20:00:00.000+01:00

A luta grega pela libertação do domínio turco excitou a imaginação dos liberais intelectuais neo-helenísticos europeus.
Eugène Delacroix (1798-1863) escolheu o terrível massacre de Chios, quando 20.000 habitantes das ilhas gregas foram assassinados, como forma de chamar a atenção.

Massacre de Chios, 1824

Delacroix estruturou o plano de pintura em três pirâmides humanas de mortos e moribundos gregos, banhados em luz e côr harmoniosas, tendo-lhe posteriormente acrescentado um brilho difuso.

detalhe

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Arte Rupestre do Vale do Côa - Penascosa

2005-09-10T20:00:00.000+01:00

Nesta zona de vale mais aberto do rio Côa, forma-se uma praia relativamente extensa, cujas areias poderão estar a tapar mais rochas gravadas para além das que já são conhecidas.
Pela topografia do local, propícia ao estabelecimento de acampamentos, deve ter sido em tal contexto de habitat que tiveram lugar estas actividades artísticas.
Porém, as escavações realizadas revelaram a ausência de níveis arqueológicos que comprovassem tais ocupações, os quais devem ter sido erodidos no início do Holocénico, o período geológico em que vivemos actualmente.
Os depósitos fluviais actualmente observáveis no fundo do vale são relativamente recentes, tendo a sua parte superior sido acumulada apenas no decurso do último milénio.

Penascosa

Boa parte dos suportes das gravuras parece estar num estado adiantado de fragmentação.
Uma vez que há diversos exemplos de gravuras desenhadas de modo a aproveitar os espaços definidos pelos blocos fragmentados, pode deduzir-se que seria já esse o aspecto das rochas no Paleolítico, quando foram gravadas.
Tal como na Canada do Inferno, todas as figuras conhecidas foram feitas sobre as superfícies verticais criadas pela clivagem dos xistos. Para além dos painéis mais conhecidos, com gravuras executadas por picotagem e por abrasão, foram recentemente descobertas algumas rochas profusamente gravadas com motivos filiformes.

Rocha 3

Embora a representação de cavalos e cabras no mesmo painel pareça ser a forma mais frequente de associação entre diferentes espécies animais, a associação cavalo-auroque - típica da arte paleolítica - está igualmente bem documentada.

Detalhe representando movimento (Ver figura no decalque de côr verde)

Fonte dos textos: Parque Arqueológico do Vale do Côa

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